Мне подарили

Сообщества

 
22:22 14.08.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Муранское (венецианское) стекло

Муранское (венецианское) стекло — стекло, изготовленное по старинным технологиям, возникшим на острове Мурано близ Венеции.Вначале мастерские находились в самой Венеции, но так как город состоял, в основном, из деревянных построек, то всякое производство, связанное с огнём, угрожало ему пожаром. Поэтому в XIII веке правительство решило перенести все стекольные мастерские на отдельный остров – Мурано, в двух километрах от Венеции. С тех пор венецианское стеклоделие неразрывно связано с этим островом, а стекло носит наименование «муранского».

Метки: стекло, АЯТ, изделия
 
16:08 14.08.2018
Тамара Ширнина опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пабло Пикассо Авиньонские девицы

.

Вы так не сможете:
10 произведений
современного искусства
и инструкции к ним. Изображение № 1.fbvkpn

Пабло Пикассо

«Авиньонские девицы», 1907

МАТЕРИАЛ: холст, масло

НАПРАВЛЕНИЕ: кубизм

Картина «Авиньонские девицы» является первым кубистическим произведением Пикассо — он изобразил барселонских проституток не реалистично, а «разобрал» их тела и лица на множество геометрических фигур.

Вы так не сможете:
10 произведений
современного искусства
и инструкции к ним. Изображение № 2.

«Поэт Гийом Аполлинер сказал: „Пикассо исследует объект так же, как хирург препарирует труп“. В этом заключается суть кубизма: художник выбирает предмет изображения, проводит анализ и деконструирует его. Почему Пикассо решил не создавать элегантные и атмосферные фигуративные работы, которые были так популярны у коллекционеров и критиков? Он осознавал профессиональную опасность, которую представлял для него Матисс. Потому что после представленной в 1906 году картины «Счастье существования» Матисса стали считать самым интересным молодым художником того времени. Выставка Сезанна 1907 года вдохновила Пикассо, и он решил дальше развивать то, что начал известный художник. Картина «Авиньонские девицы» была основана на идеях Сезанна и стала началом нового художественного направления».

Метки: живопись, искусство, Пикассо, АЯТ
 
22:25 12.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Книга "Ключевые моменты в искусстве"

В августе в издательстве AdMarginem выходит книга «Ключевые моменты в искусстве». Ее автор Ли Чешир — старший редактор издательского отдела лондонской галереи Тейт. В каждой главе он коротко рассказывает о каком-либо поворотном моменте в истории искусства — от Позднего средневековья до наших дней. Это и истории из частной жизни художников, повлиявшие на их дальнейшее творчество, и общественно-политические события, изменившие подход к искусству и способ его восприятия.

.

Караваджо убивает человека

28 мая 1606. Рим

Художник: Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), Италия

Микеланджело Меризи да Караваджо. «Давид с головой Голиафа». Около 1610

В начале 1600-х годов Караваджо, едва достигший тридцати лет, был самым знаменитым живописцем Рима, создавшим поразительно реалистические и драматичные полотна по заказу самых могущественных и влиятельных клиентов. Он довел до совершенства технику кьяроскуро — использование выразительных контрастов света и тени: фигуры на его картинах выхватываются из темного фона яркими вспышками света.

Личность Караваджо не менее темна и драматична, чем его искусство. Один из современников писал: «Поработав две недели, затем он месяц-другой расхаживал по городу с самодовольным видом в сопровождении слуги и при оружии; так он ходил от одной компании, играющей в мяч, к другой, всегда готовый вступить в ссору или потасовку, и поладить с ним было нелегко».

Караваджо регулярно попадал в неприятности, будучи застигнут в уличной драке или с оружием, которое носил, не имея на то позволения. Узнав, что его домохозяйка подала на него в суд за то, что он проделал дыру в потолке своей комнаты, он вместе с друзьями пришел к ее окнам и начал швырять в них камни. Некоторые утверждали, что его вспыльчивость вызвана отравлением парами красок, которыми он писал. До поры до времени Караваджо удавалось выпутываться из любых историй, пользуясь поддержкой знатных покровителей, пока 28 мая 1606 года, ввязавшись в драку на ножах, он не убил молодого человека по имени Рануччо Томассони. Детали этой истории неизвестны; по предположению историка искусства Эндрю Грэма-Диксона, Томассони вызвал Караваджо на дуэль в ответ на оскорбление. Художник нанес своему противнику смертельную рану и под угрозой смертной казни бежал из Рима.

Однако нелегальное положение не остановило его карьеру. Сначала он отправился в Неаполь, где создал несколько крупных произведений, а затем уплыл на Мальту. Военно-религиозный орден мальтийских рыцарей принял его с почетом, но после очередной драки ему вновь пришлось задуматься о побеге.

В 1610 году, после неудачного покушения на самого Караваджо, его покровители начали вести с папой Павлом V переговоры о помиловании, и он уже готовился к возвращению в Рим. Этому плану помешала внезапная смерть художника при неясных обстоятельствах в возрасте тридцати восьми лет.

Несмотря на огромную славу, которую Караваджо снискал при жизни, его скандальная репутация привела к тому, что Аннибале Карраччи, его соперник на живописном поприще, оказал гораздо большее влияние на следующее поколение художников. Если Караваджо был скрытным и нелюдимым, то Карраччи имел множество учеников. Впрочем, по мере того как вести о достижениях мастера кьяроскуро распространились по Европе, его авторитет возрос, и во многих странах возникли школы караваджистов. По словам историка искусства Бернарда Беренсона, «ни один итальянский художник, за исключением Микеланджело, не оказал такого воздействия на последующую живопись, как Караваджо»

Метки: АЯТ, отрывок, книга об искусстве
 
19:20 10.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция.

Родился в Гренобле. Окончил университет в Оттаве (Канада) и вернулся во Францию, получил степень в пластических искусствах в Марселе. Стал студентом факультета изящных искусств в Париже, затем учителем рисования ос 1974 по 1976 г.
Уже с 1972 года его работы регулярно показывали в галереях и принимали участие в многочисленных выставках. С 1990 года проходят персональные выставки в галереях по всему миру
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ...
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 2
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 3
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 4
.
Метки: искусство, скульптура, АЯТ
 
12:10 05.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

.ЛУЧШЕ ОДИН РАЗ УВИДЕТЬ: 10 ПРОИЗВЕДЕНИЙ ИСКУССТВА

Дэвид Хокни. «Гранд-каньон» (Национальная галерея, Канберра, Австралия)

nintchdbpict000001465097.jpg
Дэвид Хокни и его «Гранд-каньон»

Дэвид Хокни — один из самых влиятельных современных британских художников и признанный классик поп-арта. Многие его работы гигантских размеров составлены из нескольких холстов — их может быть от 6 до 60. По словам художника, он создает такие «сборные» работы, чтобы зритель мог «войти в пейзаж, ощутить себя внутри него». Работа 1988 года «Гранд-каньон» состоит из 60 холстов. Масштаб картины, ее пламенеющая палитра и четкие контуры обеспечивают тот самый эффект присутствия, к которому стремился художник.

Марк Шагал. Плафон Парижской национальной оперы (Париж, Франция)

3388155.jpg

Наполеон III заказал постройку здания оперы в 1861 году, в рамках большой реконструкции города под руководством барона Османа. На исполнение заказа у архитектора Шарля Гарнье ушло 15 лет. Опера быстро стала важной точкой на городской карте. В 1963 году министр культуры Франции Андре Мальро заказал 77-летнему Марку Шагалу роспись плафона здания. Работа, выполненная в парижской студии художника, заняла 8 месяцев и потребовала почти 200 килограмм краски.

Это одна из самых масштабных работ Шагала: площадь плафона — более 240 квадратных метров. Плафон был разделен художником на пять цветовых секторов: белый, синий, желтый, красный и зеленый. В росписи прослеживались основные мотивы творчества Шагала — музыканты, танцоры, влюбленные, ангелы и животные. Каждый из пяти секторов содержал сюжет одной или двух классических опер или балета, а также изображения парижских архитектурных достопримечательностей.

Густав Климт. «Портрет Адели Блох-Бауэр I» (Новая галерея, Нью-Йорк, США)

Эта картина, известная также как «Золотая Адель» или «Австрийская Мона Лиза», считается одним из самых значительных полотен Климта и австрийского югендстиля в целом. Это первый из двух написанных Климтом портретов Адели Блох-Бауэр, подруги и, возможно, возлюбленной Густава, дочери крупного австрийского банкира еврейского происхождения.

«Золотая Адель» получила широкую известность не только благодаря высокой художественной ценности, но и из-за непростой истории: она вместе с прочим имуществом Фердинанда Блох-Бауэра была экспроприирована нацистами, а в 1941 году ее выкупила одна австрийская галерея. В 1988-м, после принятия в Австрии закона о реституции предметов искусства, один из журналистов изучил музейные архивы и связался с наследниками семьи Блох-Бауэр. После длительного судебного процесса эта и несколько других картин Климта были переданы Марии Альтман, наследнице семьи, живущей в Лос-Анджелесе (США). В 2006 году Рональд Лаудер, сын предпринимательницы Эсте Лаудер, приобрел картину за 135 миллионов долларов. С тех пор «Золотая Адель» обрела дом в основанной Лаудером Новой галерее в Нью-Йорке. В 2015 году вышел фильм режиссера Саймона Кертиса «Женщина в золоте», рассказывающий историю картины.

Амедео Модильяни. «Сидящая обнаженная» (галерея Курто, Лондон, Великобритания)

Одна из жемчужин коллекции лондонской галереи Курто, «Сидящая обнаженная» (1916) — яркий пример узнаваемого стиля Модильяни: удлиненная фигура, элегантные линии, эстетика, вдохновленная скульптурами Африки и Океании. Эта картина положила начало серии «Обнаженных», относящейся к уже зрелому периоду творчества художника. В противовес ранним обнаженным фигуры позднего периода более свободны и сексуальны. Хотя лицо женщины стилизовано, исследователи склонны видеть в нем портретные черты Беатрис Гастингс, английской поэтессы и журналистки, которая была музой художника в период с 1914 по 1916 год.

Фрида Кало. «Две Фриды» (Музей современного искусства, Мехико, Мексика)

notimexpix696367.jpg

Отношения Фриды Кало с ее мужем, художником Диего Риверой, всегда были сложными. Их развод в 1939 году побудил Фриду написать одну из самых ее сильных работ — «Две Фриды». Символика картины понятна без пояснений: две женщины теснятся в одном теле, в чем-то дополняя, а чем-то мешая друг другу.

Кало как всегда изобразила события внутренней жизни, а ведь с 1939 года она словно раздвоилась: одна Фрида согласилась на развод с Риверой, а вторая мучительно продолжала любить мужа. Также картина отражает смешанное происхождение художницы: ее мать была мексиканкой, а отец — немцем, эмигрировавшим в Мексику. Ривера всегда обожал мексиканскую идентичность Фриды, поэтому на картине сердце «европейской» Фриды кровоточит от обиды. Художница тяжело переживала разрыв с мужем, однако уже в 1941 году они снова поженились.

Анри Матисс. «Красная комната: гармония в красном» (Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия)

4811188791_e528d37dae_b.jpg

Эту работу Матисс написал по заказу Сергея Щукина — она была задумана как «декоративное панно» для столовой коллекционера, но в итоге стала одной из самых узнаваемых картин художника. Интересно, что изначально Матисс задумывал ее совсем в другом цвете — в голубом; за образец была взята декоративная ткань с голубыми узорами. Однако накануне осеннего Парижского салона 1908 года художник неожиданно кардинально переписал работу: «Гармония в голубом» показалась ему недостаточно декоративной.

С переменой цвета фокус удался: чистый красный поглощает пространство комнаты и женскую фигуру, плоскость холста превращается в декоративную поверхность. Художник также добавил перспективу, введя мотив окна, в котором виднеются яркие зеленые деревья.

Иероним Босх. «Сад земных наслаждений» (Музей Прадо, Мадрид, Испания)

GettyImages-544238276.jpg

Триптих Босха — одно из самых эксцентричных произведений искусства в истории. Оригинальное название работы неизвестно — «Садом земных наслаждений» ее назвали исследователи. С тех пор как Босх в 1515 году представил работу публике, она вот уже 500 лет продолжает удивлять и завораживать зрителей.

В XX веке возникло множество теорий и вариантов толкования картины, но к единому мнению исследователи так и не пришли. Одни видят в картине детство человечества, другие — торжество сладострастия, третьи — вольное осмысление библейских сюжетов. Существует даже версия, что Босх принадлежал к секте еретиков и зашифровал в картине тайные послания. Интерпретации бесконечны, и именно невозможность понять «Сад земных наслаждений» до конца больше всего манит зрителей.

Эдвард Мунк. «Танец жизни» (Национальный музей искусства, Осло, Норвегия)

Норвежский художник Эдвард Мунк на протяжении почти всей жизни боролся с депрессией и тревогой. Эти чувства нашли отражение во многих его работах и достигли апогея в знаменитом «Крике». Однако «Танец жизни» (1899–1900) по настроению отличается от большинства картин художника, в ней нет напряжения и тревоги.

Исследователи творчества Мунка предполагают, что сюжет картины был подсказан Мунку пьесой датского символиста Хельге Роде «В вихре вальса». Сам же художник утверждал, что в основу «Танца жизни» легли воспоминания о его первой любви, Милли Таулов.

Рене Магритт. «Замок в Пиренеях» (Израильский музей, Иерусалим, Израиль)

Одна из самых узнаваемых работ сюрреалиста Рене Магритта, «Замок в Пиренеях» был написан в 1959 году по заказу его друга, юриста и писателя Гарри Торчинера. Сказочный замок возвышается наверху гигантского валуна и словно парит в облаках, а внизу набегают на берег морские волны. Это одна из самых загадочных работ художника, и она послужила источником вдохновения для норвежского писателя Юстейна Гордера, который построил сюжет одноименного романа вокруг образа, созданного Магриттом.

Вермеер. «Девушка с жемчужной сережкой» (Маурицхейс, Гаага, Нидерланды)

GettyImages-173455795.jpg

Портрет молодой девушки с жемчужной сережкой — бесспорный шедевр Вермеера и икона золотого века голландской живописи. Картина не датирована, но, согласно данным экспертов Маурицхейс, она написана около 1665 года. Про нее вообще известно очень мало — доподлинно неизвестно даже, что за девушка изображена на картине.

Тайны, окружающие портрет, а также загадочный взгляд девушки вызывают ассоциации с Джокондой — поэтому картину часто называют северной или голландской Моной Лизой. Еще один довод в пользу такого сравнения — огромная популярность обеих работ: как и «Мона Лиза», «Девушка с жемчужной сережкой» стала неотъемлемой частью массовой культуры, ее образ часто мелькает в фильмах и сериалах.

Метки: история, живопись, искусство, АЯТ
 
10:02 31.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Юмор в искусстве

Иллюстрации Анастасия Аллен Стихи Шарль Бодлер
Дождь идет,потоки льются.Черный кот глядит на блюдце.
В блюдце нету молока, смотрит кот на облака:
"Хоть бы раз полил нарочно с неба в блюдце дождь молочный!
Плохая собака!
main_собаченция-2 (700x688, 157Kb)

"Сюрприз для гостей"
main_bel_koshka-35785431 (700x495, 133Kb)
Драка
main_драка567333 (700x490, 156Kb)
Я потерялся!
main_котенок.-1 (625x700, 103Kb)
Котёнок
main_котенок-333 (700x650, 363Kb)
Муська
main_muska1 (649x700, 112Kb)
Детство
main_детство-1 (700x495, 195Kb)
Ответ на главный вопрос
main_рыжик-шепчет (643x700, 131Kb)
История одного кота
main_котята_в_коробке.-1 (683x700, 178Kb)
Мяяу?
main_kotimishi_125371 (591x485, 533Kb)
Паук в клетке
main_Паук_в_клетке-1 (592x700, 125Kb)
Шалопаи
main_рыжик-котята_шалят1125743 (700x623, 171Kb)
Баня
main_баня.-1 (657x700, 139Kb)
Девочка и котята
main_Dashaikotyata_3355278-2 (565x519, 582Kb)
Экзамен
main_рыжик-сарай333 (660x680, 501Kb)
Задумался
main_рыжик-задумчивый_11 (700x698, 174Kb)
Волшебник-Рыжик
main_рыжик-и_воробьи (686x700, 148Kb)
Спят усталые котята
main_котята_спят_333 (700x700, 164Kb)

Метки: юмор, АЯТ(искусство)
 
12:31 29.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Секреты "Моны Лизы"

Когда "Мону Лизу" копировали ученики Леонардо, это воспринималось как должное. Современный художник Бэнкси тоже не считает воспроизведение легендарной картины плагиатом — в актуальном искусстве этот прием называется апроприацией.

В 1919 году дадаист Марсель Дюшан пририсовал Джоконде на открытке усы и бороду, подписал изображение непристойной аббревиатурой и объявил себя автором нового произведения искусства: ведь он поместил культурную икону в собственный контекст. Вполне в духе дюшановской концепции реди-мейд, согласно которой любой предмет, выставленный художником в галерее, считался авторским арт-объектом. В дальнейшем "Мону Лизу" "присваивали" многие известные творцы: Сальвадор Дали, Энди Уорхол, Жан-Мишель Баския... В конце столетия появились термин "апроприация" (использование художником предметов и чужих произведений в собственных) и движение — апроприационизм. В XXI веке шедевр Леонардо не дает покоя звезде стрит-арта Бэнкси. Художник любит помещать узнаваемые сюжеты с картин и фотографий в неожиданный контекст и обыгрывает образ Джоконды в разных техниках, делая ее "соучастницей" своих "партизанских" акций.

VS07_035_KultiurniyKod.jpg
Нажмите для увеличения
Фото предоставлено IQ ART MANAGEMENT

"Мона Лиза", 2001 год

1. Техника. Изображение похоже на постер, оно нанесено на холст через трафарет краской из баллончика, как граффити на стену. Это любимая стилистика деятелей поп-арта. Самая узнаваемая дама эпохи Возрождения воплощена в актуальной манере Новейшего времени. Розовая "Мона Лиза" участвует в выставке Бэнкси, проходящей в Москве со 2 июня по 2 сентября 2018 года.

2. Цвет. Розовый в середине XX века благодаря голливудским кинозвездам стал ассоциироваться с гламуром — и его полюбили художники поп-арта. Впрочем, Бэнкси создал и вариант на зеленом фоне, проданный в 2006 году на аукционе за 57 600 фунтов.

3. Подпись. Визитная карточка граффитиста, на жаргоне — тег, бывает и сама по себе, без изображения. Особенно престижно оставить ее в месте, куда трудно или опасно добраться. Сначала Бэнкси рисовал граффити от руки, и подпись была первым элементом, который художник стал наносить через трафарет. Он перешел на трафаретные граффити из-за скорости исполнения: уличному художнику важно успеть, пока творческий процесс не прервала полиция.

"Улыбка Моны Лизы". 2004 год

2004-banksy-mona-lisa-at-th.jpg

"Модифицированное" изображение "Моны Лизы" художник пронес в Лувр, где находится оригинал, и приклеил к стене. Смайлик — пародия на улыбку Джоконды. Классический желтый смайлик придумал художник Харви Росс Болл в 1963-м году для печати на значках. К началу XXI века появились эмодзи. У Бэнкси эмодзи Джоконда стирает грань между массовой и элитарной культурой, как, собственно, все его творчество.

"Мона Лиза с базукой". 2001 год

9082733997_b6d59b9c35_o.jpg

Благодаря Бэнкси граффити стали считаться настоящим искусством, но, как и любой стрит-арт, многие из них недолговечны. Первый вариант "Моны Лизы" на стене в Сохо стерли через несколько дней. "Мона Лиза" Леонардо — идеал женственности и умиротворения. У Бэнкси много работ антивоенной тематики, вот и на этом граффити диссонанс между безмятежной улыбкой Джоконды и мощным современным оружием в ее руках бросается в глаза. По другой трактовке, ее спокойствие отражает пресыщенность благополучного общества новостями о кровавых вооруженных конфликтах, происходящих где-то далеко.

Галерея: Присвоенная "Джоконда"

2-Kazimir_Malevich_1914_Com.jpg

Около 1915

Казимир Малевич, "Композиция с Джокондой (Частичное затмение в Москве)"

033020.jpg

1919

Марсель Дюшан, L.H.O.O.Q.

_EN_01103350_0012.jpg

1963

Энди Уорхол. "Тридцать лучше, чем одна"

01B5487W.jpg

1973

Сальвадор Дали. "Автопортрет a la "Мона Лиза"". "Джоконда" с лицом Дали вставлена в другую картину эпохи Ренессанса

_AP_05031702421.jpg

1983

Жан-Мишель Баския. "Мона Лиза"

ХУДОЖНИК
Бэнкси

01AP40X6.jpgСтавший знаменитым в конце 1990-х годов, граффитист и режиссер до сих пор не раскрывает своей личности. Поклонники творчества Бэнкси гадают, кто он такой. Основные версии:

1. Роберт Дель Ная, он же 3D, музыкант из группы Massive Attack. Дель Ная — талантливый граффитист и выходец из творческой среды города Бристоля, с которой связан и Бэнкси. Тот, в свою очередь, упоминал, что его вдохновляют граффити Дель Ная. При этом работы Бэнкси появлялись в разных городах мира в то же время, когда Massive Attack была там на гастролях.

2. Робин Ганнингем, уроженец Бристоля. Ученые из Лондонского университета королевы Марии использовали метод географического профилирования, который применяют криминалисты для поиска преступников-рецидивистов. Исследователи выявили совпадение географии граффити Бэнкси и перемещений бристольца Ганнингема, переселившегося в Лондон, — весомый аргумент в пользу версии, что это один и тот же человек.

3. Дэмиен Хёрст — один из самых известных современных художников. В ряде работ Бэнкси содержатся отсылки к творчеству Хёрста; у них есть и совместные картины. Товарищи граффитиста по цеху убеждены: его способность сохранять инкогнито при такой популярности можно объяснить только тем, что Бэнкси — это проект когото влиятельного и оригинально мыслящего. Например, Хёрста.

4. Тьерри Гетта, или Mr Brainwash (Мистер Промывка Мозгов), — художник, один из персонажей документального фильма Бэнкси "Выход через сувенирную лавку". Работы Гетта имеют успех на арт-рынке, но некоторые полагают, что его история из фильма и творческая манера придуманы Бэнкси или он и есть сам Бэнкси.

5. Джейми Хьюлетт — известный комиксист и основатель группы Gorillaz. С ним так или иначе связаны фирмы, с которыми сотрудничает Бэнкси.

6. Некий бристолец Робин Бэнкс. Считается, что от этой фамилии образован псевдоним художника.

Фото: POLARIS, AP / EAST NEWS, DIOMEDIA (X2), FAI/LEGION-MEDIA, GRAHAM C99 (CC-BY

Метки: Мона Лиза, копии, АЯТ(Искусство )
 
11:24 19.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Музей западного и восточного искусства отреставрировал своих "голландцев":

В Одесском музее западного и восточного искусства отреставрировали картины голландских мастеров XVII века, большая часть которых многие годы хранилась в запасниках.

Реставрацию проводили эксперты Национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины, его одесского филиала, а также реставраторы музея.


Кроме того, была проведена технико-технологическая и химическая экспертиза, которая позволила подтвердить, а в одном случае — опровергнуть подлинность полотен. Так, картина «Зимний пейзаж», автором которой ранее считали Яна ван Гойена, оказалась копией неизвестного немецкого художника XVIII века.

Как сообщили в музее, реставрация и экспертизы проводились в рамках подготовки к выставке «Золотой век: искусство Голландии XVII столетия», которая стартует 27 июля. В экспозицию войдут более 60 работ: 27 картин, 28 гравюр, один оригинальный рисунок и несколько изделий из делфтского сине-белого фарфора. Только пять картин из этого списка находятся в постоянной экспозиции Музея западного и восточного искусства.

Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"
Ян ван Гойен "Зимний пейзаж"

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
 
10:17 19.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Найди девушку

Невероятный боди арт Присмотритесь — на фото девушка.

.

Метки: фото, искусство, боди арт
 
22:40 14.07.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Известный канадский художник

Jonathon Earl Bowser – известный канадский художник, великолепно владеющий искусством графического рисунка, создавший сотни потрясающих по красоте иллюстраций и картин.

Jonathon Earl Bowser родился в 1962 году. Начал рисовать в возрасте восьми лет. В 1984 году окончил колледж искусств (Alberta College of Art).

Jonathon Earl Bowser с удовольствием работает в жанре, который он называет натурализмом. Мистические образы дикой природы с её причудливым ландшафтом и таинственностью живого мира, чарующие женские образы,(женщины-богини, женщины— ангелы), вдохновляют художника. Его фантазиям нет предела, он создает всё новые, потрясающие своим великолепием произведения

Метки: живопись, искусство, АЯТ
 
19:31 13.07.2018
Тамара Ширнина опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Украинский мастер золотых дел

Журналисты "Сегодня" побывали там, куда простым людям попасть практически невозможно – в мастерских одного из лучших ювелирных домов Украины.

  • Украинские ювелиры скромно считают себя одними из лучших в мире
  • Украинские ювелиры скромно считают себя одними из лучших в мире
Украинские ювелиры скромно считают себя одними из лучших в мире
фото: Александр Яремчук

Золотые брошки, усеянные бриллиантами, замысловатые сережки, браслеты с драгоценными камнями, уникальные ожерелья с бисером из жемчуга... Каждая женщина мечтает, чтобы хоть одно такое сокровище поселилось у нее в шкатулке. А для того чтобы создать подобное украшение, понадобятся недели, а порой и месяцы.

В ювелирные заводы не так просто попасть обычным людям. Но "Сегодня" удалось заглянуть в мастерские Классического ювелирного дома "Лобортас", где создаются настоящие шедевры. По мнению основателя дома Игоря Лобортаса, наши ювелиры могут дать фору любым заграничным. "У нас есть преимущество перед другими ювелирами, так как нет шаблонов, которые образовались за долгие годы, но есть мастерство и художественный уровень. У нас не было ювелирных школ, как в Италии или в соседней России. К примеру, в последней есть устоявшийся стиль фаберже. Наши же мастера свободны от штампов, легко могут экспериментировать и создавать что-то совершенно свежее, — говорит Лобортас. — С уверенностью говорю, что украинские мастера снова подтолкнули мировых к развитию ювелирного искусства, когда стали делать первыми вещи, за которые не брались другие. К примеру, из драгоценных металлов и камней создавали лампады для Благодатного огня или делали рекордные украшения, которые попадали в Книгу рекордов Гиннесса. Или вот сделали первыми в истории геральдики объемный ювелирный герб РФ "Царь птица" из золота, серебра, бриллиантов, янтаря и пр. ..

6e1d3351_640x480_

На заводе: золотая пыль и бриллианты из пенопласта

Как создаются драгоценные шедевры, журналистам "Сегодня" удалось увидеть своими глазами. Ювелирный завод — режимный объект, и мы ожидали бронированные двери в каждом цеху и сейфы возле столов мастеров. Однако внутри здание напоминает обычный офис со стеклянными дверями, но вместо ручек и стопок бумаг на столах работников — настоящие сокровища: золото, бриллианты, сапфиры, изумруды и пр. "Для нас это обычный рабочий материал, — говорят ювелиры. — Если мы получили, к примеру, 100 граммов золота, то в конце работы столько же и должно остаться: часть — в изделии и часть — ломом. Очень маленькая часть сжигается с плавкой или перетирается в пыль". По словам работников, допускается максимум до 10% таких невосполнимых потерь от полученного материала, в зависимости от сложности работы: "Если больше, то возникнут вопросы к ювелиру. Но с воровством никогда не сталкивались. Ведь это обязательно выяснится, и никто такого работника больше не захочет нанимать".
УПАЛО — К ПРОДАЖЕ. На рабочем столе каждого ювелира стоит микроскоп, рядом — бормашинка, повсюду инструменты: стальные резцы (штихеля), всевозможной формы и размера плоскогубцы, тоненькие пилочки и пр. "Обрезки золота или другие материалы во время работы падают в поддон, между мастером и столом. Потом их собираем и отправляем на переплавку. Ничто не пропадает, — говорит Максим. — Очень редко камешек падает на пол. Тогда можно весь день провести на корточках, чтобы его найти. У нас есть примета: если изделие упало — значит, оно быстро продастся". В ювелирном цехе шуршат напильники, шумят горелки и пахнет деревом — в зале замечаем огромный пень. "Мы на нем придаем металлу нужную форму: например, гнем его или сворачиваем. На дереве это делать удобнее, к тому же на нем работа не такая шумная, как если бы гнули золотые пластины на обычном столе", — поясняет мастер Евгений Осадчук. Другой мастер вздыхает: "А мне вот нужно маленький золотой шарик (чуть больше спичечной головки. — Авт.) усеять бриллиантами. Думаю, на один такой умещу до 40 штук". Из-за мелких деталей у ювелиров быстрее садится зрение. "А могут в конце дня трястись руки от долгой кропотливой работы", — рассказывает его коллега Сергей. "А женщинам свои украшения дарите?" — спрашиваем у мастеров. "Очень редко. Делать простенькие колечки не хочется. Если дарить любимым — то только оригинальные и стоящие украшения. Но на такие изделия нужен дорогой материал и много времени, — говорит старший мастер Андрей Селиванов. — Я как-то жене делал кольцо-оберег. Работал несколько месяцев — иногда вместо обеда работал".

6e1d3353_640x480_


ИЗ БУМАГИ. На столах ювелиров — готовые колечки и подвески... из бумаги. Оказывается, украшения сначала рождаются в виде бумажных поделок. "По эскизу делаю украшение из бумаги такого же размера, каким будет само изделие, а драгоценными камнями на этом этапе служат шарики пенопласта, — говорит дизайнер Екатерина Черныш. — Такой макет значительно упрощает работу ювелирам". Кстати, делать бумажные эскизы стали впервые именно в Украине. "Идея очередного украшения может появиться в любую минуту — когда я хожу по магазинам или еду в метро. На этот случай всегда с собой блокнот для набросков", — говорит Черныш. А вдохновить на новый шедевр может все что угодно. Так, Екатерина после просмотра фантастического фильма "Воображариум доктора Парнаса" придумала необычное колечко.
ЛАМПАДЫ ДЛЯ ПАПЫ. На другом этаже коридор уставлен стеллажами с разноцветными огромными камнями. "Это яшма, вот лазурит, нефрит, агат и азуро-малахит, а вот — просто окаменевшее дерево, — проводит экскурсию начальник участка малой пластики Олег Запорожец. — Они ждут своего часа, когда пригодятся для каких-то изделий". В ведомстве Запорожца также цех культовых изделий. К примеру, там сделали первую в мире ювелирную паломническую лампаду для Благодатного огня. Ее подарили Митрополиту Владимиру. Также делали лампады из золота и серебра для Патриарха Кирилла и Папы Римского Бенедикта XVI. "Перед Пасхой и Рождеством особенно много работы, — говорит Селиванов. — Для Папы делали лампаду в сжатые сроки — за три месяца, когда нужно было до пяти. Трудились в две смены. Сейчас вот делаю подставку для церковных книг со статуэтками Кирилла и Мефодия из серебра". В еще одном цеху расписывают украшения эмалью. В кабинете стоит небольшая печь, где как раз запекалось украшение при 780-градусной температуре. Одни художники заливали эмаль на украшения, другие тонюсенькими кисточками рисовали портреты на эмали. "Наши надглазурные краски могут менять свои цвета: до обжига один цвет, а после — совершенно другой. К примеру, коричневый становится пурпурным", — делится секретами Сергей Близнюк.

Метки: ювелирное искусство, АЯТ
 
20:23 11.07.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Третьяковская галерея начала бороться с "нелегальными" экскурсиями. Из музея выгоняют обычные группы людей

.

Сергей Пятаков / Sputnik / Scanpix / LETA

Историки из МГУ и их студенты пришли в Третьяковскую галерею. Их попросили удалиться, потому что они проводят «нелегальную» экскурсию

15 июня работающие в МГУ историки Олег Айрапетов, Максим Шевченко и Федор Гайда пришли вместе с несколькими студентами и аспирантами в Третьяковскую галерею на Крымском Валу на выставку художника Василия Верещагина. Как рассказывают они сами, они осматривали экспозицию и обменивались впечатлениями от увиденного, когда к ним подошел охранник и заявил, что «экскурсии без аккредитации» в музее запрещены. В ответ преподаватели заявили, что не проводят экскурсию, и перешли на шепот.

Как историки заявили в открытом обращении к Министерству культуры, они пытались уточнить у сотрудника музея, что считается экскурсией, но тот не ответил. Позже, когда они со студентами уже уходили, их встретили «старший лейтенант МЧС» и сотрудница музея, которые заявили, что действия посетителей галереи незаконны. Историкам объяснили, что в случае прохода на выставку группой «от 1 до 20 человек» необходимо запрашивать разрешение у музея. Получить ответ на вопрос, что такое «группа из одного человека», ученым не удалось.

19 июня директор департамента музеев Министерства культуры Юрий Евтюхин направил генеральному директору Третьяковской галереи Зельфире Трегуловой письмо с просьбой разобраться в ситуации и проинформировать о решении авторов открытого письма.

Это не первый случай, когда из Третьяковки просят удалиться группы разговаривающих между собой людей

20 июня главный редактор журнала Fashionograph Тим Ильясов, читающий в Высшей школе экономики лекции по истории и теории моды, пришел в Третьяковскую галерею на Лаврушинском переулке вместе с пятерыми друзьями. «Конечно же, я рассказывал истории, комментировал платья и шляпки на портретах», — рассказывает он.корреспонденту. По словам Ильясова, вскоре сотрудники музея стали возмущенно говорить ему, что экскурсии могут проводить только штатные экскурсоводы музея. «Я попытался у них уточнить, о какой экскурсии идет речь, ведь я просто общаюсь с приятелями, — вспоминает журналист. — Но сотрудники музея не смогли дать внятный ответ — „ничего не знаем, нельзя“».

Ильясов рассказал, что после этого замечания он стал говорить тише, однако вскоре к нему подошел охранник, потребовал предъявить бейдж экскурсовода и заявил, что без такого бейджа вести экскурсию запрещено. Ильясов спросил, значит ли это, что они должны ходить по галерее молча. «Мне ответили, что, видимо, да, и отправили за разъяснениями в администрацию музея, — продолжает он. — Я очень хорошо отношусь к Зельфире Трегуловой, мне нравится, как она вернула жизнь в галерею, какие славные выставки там проходят в последнее время. Но политика борьбы с „нелегальными экскурсиями“ глуповата».

2 июля пользователь фейсбука, подписывающийся как Tnargime Rǝnni (свое настоящее имя он назвать «Медузе» отказался), рассказалоб аналогичной истории, случившейся в Третьяковской галерее на Крымском Валу. Он пришел на выставку Верещагина с друзьями, «далекими от искусства», и рассказывал им о художнике; смотрительница сообщила им, что несогласованные экскурсии в музее запрещены; затем охранник потребовал от него предъявить бейдж и, убедившись в отсутствии такового, попросил молодого человека покинуть музей.

В Третьяковке меру объясняют тем, что сторонние гиды дают посетителям неверную информацию

Заместитель директора Третьяковской галереи Марина Эльзессер сказала «Медузе», что правило о необходимости уведомлять галерею в случае, если туда приходит экскурсовод, вступило в силу 15 мая 2018 года. Согласно новому регламенту, человек, который рассказывает собеседникам что-то о картинах, но не является штатным гидом музея, обязан получить бейдж, на котором указано, что он «гид-гость». Музею в этом случае надо заплатить: экскурсия для группы до 20 человек стоит5310 рублей — в Лаврушинском переулке, а на Крымском Валу можно проводить такие экскурсии бесплатно. «Я считаю, это необходимая мера, потому что нередко в руководство галереи поступают жалобы от самих же посетителей на то, что некий гид в одном из залов рассказал неверную информацию. А потом выясняется, что это был вовсе не наш гид, а кто-то из гостей галереи», — объясняет Эльзессер.

По ее словам, записи с видеокамер доказывают, что преподаватели истфака «стояли сплоченной группой и рассказывали своим студентам про картины». «У нас замечательные отношения с историческим факультетом МГУ, но его руководство прекрасно знает, как оформляются в Третьяковской галерее такие занятия, — продолжает замдиректора галереи. — О занятии, которое проводили [15 июня] в стенах галереи преподаватели истфака, никто из нас не знал. Мы считаем, что педагоги проводили именно занятие, а не просто обменивались мнениями, как они утверждают. Поэтому они должны были заранее зарегистрировать визит на нашем сайте и внести плату».

Ирина Кравцова

Метки: АЯТ, Третьяковка, новшество
 
10:54 29.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Новые рисунки художника Бенкси на стенах в Париже

.
28.06.2018 08:12

В Париже на стенах появились новые рисунки Бэнкси. Три новых рисунка британский уличный художник нарисовал на прошлой неделе, а в начале этой обнаружились еще четыре граффити.

Об этом сообщает «Don’t take fake».

Работу с изображением темнокожей девочки, которая закрашивает свастику розовым узором, художник посвятил проблеме мигрантов во Франции – ее обнаружили 20 июня – во Всемирный день беженцев. Рисунком человека с пилой, протягивающего трехногой собаке косточку, Бэнкси сделал отсылку к французскому правительству, проводящему неэффективные реформы. А заключительной работой на прошлой неделе стала отсылка к картине художника Жак-Луи Давида «Наполеон на перевале Сен-Бернар».

В начале этой недели обнаружили четыре новых рисунка с крысами. Одну из работ Бэнкси нарисовал на французском центре искусства и культуры Жоржа Помпиду, посвятив ее 50-летию майских протестов 1968 года во Франции, назвав событие «рождением трафаретного искусства».

Событиям 1968 года артист посвятил еще один рисунок, на котором крыса с красным бантом сидит на фоне надписи «Май 1968» с отвалившейся цифрой восемь. На третьем граффити художник изобразил семью крыс, смотрящих в направлении Эйфелевой башни. А в заключение добавил рисунок с крысой, летящей на бутылочной пробке от шампанского.

Использование крыс в качестве «главных героев» изображений служит возможной отсылкой к знаковому французскому художнику Blek le Rat. Сам Бэнкси на данный момент подтвердил авторство трех работ из семи, опубликовав изображения в своем Инстаграме.

Бэнкси – британский андерграундный художник, режиссер и политический активист. Первые рисунки Бэнкси появились в конце 1990-х годов, а личность художника до сих пор неизвестна.

.

Метки: АЯТ, уличный арт, художник Бенксли
 
06:16 27.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Женщина как украшение интерьера

.

Картина: Франсуа Буше

Что такое арт-объект, как отличить винтаж от ретро, а гламур от китча, в чем сакральный смысл узоров на ковре в бабушкиной гостиной и как комод вдохновил архитектора на создание дворца для графа Апраксина — обо этом и многом другом рассказывает культуролог Максим Лаврентьев в книге «Дизайн в пространстве культуры», которая выходит в июне в издательстве «Альпина Паблишер»...

ДЕКОР

Как, в сущности, мало мы знаем о вещах, окружающих нас в повседневности!

Возьмем обычный ковер — из числа тех, которые до недавнего времени висели почти в каждой квартире. Вот как теперь аттестуют его на просторах интернета: «Пошлая растиражированная симметрия, поглощающая свет, звук и смысл самого предмета, суррогат роскоши». Давайте, однако, самостоятельно присмотримся к узору на ковре, и начнем с центрального рисунка, так называемого медальона. У большинства старых, еще советских, изделий медальон выглядит следующим образом: от более крупной овальной части отходят в стороны две меньшего размера. Между прочим, это — схематичная модель мироздания: Срединный (наш), Верхний и Нижний миры (кстати, правильным поэтому является не горизонтальное, как чаще всего встречается, а вертикальное положение ковра на стене). В том, что перед нами, по сути, индийская мандала, нетрудно убедиться, отыскав на краю ковра многочисленных будд, сидящих в «позе лотоса». Разумеется, нужно обладать известной долей фантазии, потому что в результате бездумного копирования вытканное изображение выглядит грубым и превратилось в элемент орнамента.

Мало кому, как актеру Александру Кайдановскому, легендарному Сталкеру из фильма Андрея Тарковского, повезло жить в комнате с лепными потолками и, проснувшись однажды поутру, заметить в верхнем, обычно затемненном углу комнаты «собственное» лицо. Посему осмотрим фасад здания — допустим, бывший доходный дом Бройдо (Плотников пер., 4/5), построенный в 1907 году по проекту архитектора Николая Жерихова. Тут и фантазии никакой не требуется, достаточно быть мало-мальски образованным человеком и помнить, как выглядят на портретах русские писатели — Пушкин, Лермонтов, Гоголь, Толстой. Их порядком облупившиеся профили, приданные атлетическим торсам, облаченным то ли в римские тоги, то ли в простыни (отчего возникла городская легенда о «веселом заведении» внутри), все еще можно различить без большого труда в аляповатом барельефе.

Интересна история появления писателей в Плотниковом переулке. Согласно наиболее устойчивой версии, композицию под названием «Парнас» скульптор Синаев-Бернштейн поначалу предлагал сделать фризом строившегося в тот момент на Волхонке Музея изящных искусств. По замыслу автора, деятели отечественного искусства шествовали в окружении греческих богов и муз прямиком к Аполлону. Однако заказчик, Иван Цветаев, усмотрел в работе китч, каковым она, собственно говоря, и являлась, и композицию Синаева-Бернштейна завернул. Тогда тот, не теряя времени, продал уже готовые фрагменты семейству Бройдо, зарабатывавшему постройкой в Москве доходного жилья. Правда, пришлось разделить барельеф на части, чтобы уместить фигуры между окнами третьего этажа. Но, между прочим, здесь мы видим первый скульптурный портрет Л. Н. Толстого, к тому же прижизненный.

И еще одна история, далеко не комическая. На рубеже 1930-х годов в советской столице ежегодно закрывалось порядка 50 храмов. Снятые с них колокола иной раз продавали за границу, поэтому, например, в английском Оксфорде можно теперь услышать благовест Сретенского монастыря. Гораздо же чаще звонкоголосые гиганты попадали в переплавку. Так, 16-тонная махина с колокольни Рогожского кладбища отправилась прямиком на завод «Динамо», директор которого, обращаясь в Президиум ВЦИК, обосновывал свою просьбу тем, что «из-за отсутствия цветных металлов для производства бронзовых отливок по целому ряду срочных и особо важных заказов (вкладыши бронзовые к электровозным моторам Сурамского перевала, вкладыши моторов для заводов черной металлургии, бронзовых венцов для червяков электролебедок для оборудования судов и т.д.)» срывается месячный план. А за год до того в ту же инстанцию адресовался Наркомпрос РСФСР. Для отливки бронзовых горельефов при отделке нового здания библиотеки имени В. И. Ленина потребовалось дополнительно около 100 тонн цветмета. Поскольку постановлением МК ВКП(б) и Моссовета стройка была признана ударной, ВЦИК немедленно удовлетворил запрос, предоставив «для осуществления бронзовых горельефов при отделке и облицовке здания публичной библиотеки СССР колокола со зданий церквей г. Москвы: Иакова по Яковлевской, Николая в Курицкой, Николая в Кленниках, Воскресения и Успения на Остоженке, Николая на Студенцах». В намеченный срок на фасаде Публичной библиотеки со стороны Моховой появились знакомые изображения писателей, в отличие от дома в Плотниковом эстетически вполне приемлемые.

ЖЕНЩИНА В ИНТЕРЬЕРЕ

Настоящий мужчина едва ли воспротивится утверждению, что в мире нет создания более прекрасного и совершенного, чем женщина. Тем не менее в мужской компании циркулирует немало женоненавистнических мифов. Кто-то разглагольствует о происхождении Евы из Адамова ребра — «единственной в человеческом организме кости без мозга». Атеисты указывают на «исторический факт»: якобы до VI века н. э. христиане спорили, есть ли у женщины душа. В связи с этим часто упоминается некий Никейский собор, на котором вопрос был поставлен и решен в пользу женщин отцами Церкви с перевесом всего-то в пару голосов! Разумеется, ничего подобного никогда не происходило в действительности ни на Первом, ни на Втором Никейском, ни на каком-либо ином из так называемых Вселенских соборов. Может, некоторые подозрительного вида фанатики и спорили о чем-то таком, но кулуарно — официально на соборах обсуждались совсем иные и, надо заметить, более животрепещущие для тогдашнего христианства проблемы: борьба с ересями, установление времени празднования Пасхи и т.д.

Если церковникам было по тем или иным причинам не до женщин, то с художниками и прочими служителями муз дело обстояло совершенно иначе. Куртуазные трубадуры, а затем поэты и живописцы Ренессанса создали вокруг женщины эстетический культ. Однако, объявив себя его жрецами, на деле они ставили во главу угла собственное мастерство, коим и упивались. Их божеству в том было мало проку — искусство, на все лады воспевавшее слабый пол, служило удовлетворению прихотей пола сильного.

Наконец, в XVIII веке женщины, словно сойдя с живописных полотен, где всего лишь играли отведенную им роль, сделались настоящими Венерами, Дианами, Мельпоменами. Таким необходим был подобающий комфорт — не рисованный, как раньше, а вполне осязаемый. Тут-то и от служителей прекрасного потребовалось иное рвение.

Основатель династии придворных мебельщиков Андре Шарль Буль долгие годы возглавлял мастерскую Лувра. Мебель в стиле буль щедро украшена позолоченной резьбой, инкрустирована черепаховым панцирем, перламутром, латунью и бронзой. Сыновья мастера своими руками воплощали принципы рококо для официальной фаворитки Людовика XV Жанны-Антуанетты Пуассон, более известной как маркиза де Помпадур. Их усилиями в дворцовых помещениях маркизы была создана совершенно особенная обстановка (так называемый стиль à la Reine) — гремучая смесь пышности и утонченности, сказочной таинственности и расчетливого эротизма, прообраз гламурных апартаментов.

Но все-таки формально первым в истории дизайна мебельщиком, именем которого был назван стиль, считается английский мастер того же времени Томас Чиппендейл. Его стулья имели решетчатые спинки в духе шинуазри (фр. сhinoiserie — китайщина). Изогнутые ножки делал он тоже ориентальными — в виде птичьих или звериных лап, держащих шар. К слову, стиль голливудских кинодив 1930–40-х годов, эта интерпретация модерна в ар-деко, непредставим без экзотических форм и соответствующих материалов. Кокос, бамбук, слоновая кость, крокодиловая кожа, даже шкурки ящериц — все шло в ход, чтобы угодить экранным властительницам дум и сердец. Выглядевшая как дорогой обтекаемый автомобиль, мебель для Джудит Баррет и Присциллы Лейн, Виктории Уинтон и Эдны Каллахэн обычно покрывалась еще и шпоном красного дерева, за 200 лет до того введенного в западную моду именно Чиппендейлом, поскольку оно было завезено в Англию из колоний на четверть века раньше, чем в страны континентальной Европы.

Раз уж зашла речь о «фабрике грез», то следует упомянуть и о том неожиданном вкладе, что внес в интерьер английский политик XVIII века Филипп Дормер Стэнхоуп, четвертый граф Честерфилд. Стиль честерфилд первоначально представлял собой полностью кожаный и для пущей надежности стеганый диван, заказанный графом, на досуге занимавшимся литературным трудом (свои трактаты в духе Вольтера он публиковал в журнале «Старая Англия» под псевдонимом Джеффри Толстопузый). Диван аристократа-моралиста настолько пришелся по душе прекрасной половине человечества, что постепенно начал ассоциироваться с женским представлением о личном комфорте. Много нынешних кинозвезд не скрывают своей страсти к кожаному честерфилду в различных его вариациях. Граф, однако, не должен быть на них за это в обиде. А в историю он вошел, между прочим, еще и тем, что активно способствовал переходу Великобритании на григорианский календарь, который современники так и называли: «Календарь Честерфилда».

Конечно, женщина царствует не только в искусстве. И все же, когда мы представляем идеальный женский портрет, на ум приходит, пожалуй, не Гипатия Александрийская с первой астролябией в руках, не Сара Мэтер у запатентованного ею перископа и не Стефания Кволек, синтезировавшая кевлар — основу бронежилета. И это даже не Хеди Ламарр, снявшаяся обнаженной в десятиминутной сцене купания в лесном озере, за что фильм «Экстаз» 1933 года был запрещен к показу в большинстве цивилизованных стран, а саму актрису вождь германских нацистов внес в список врагов Третьего рейха (позднее, уже в Америке, Хеди изобрела на досуге секретную систему связи с расширенным спектром — на которой основан современный Wi-Fi). Скорей уж мы вспомним мадам Рекамье, возлежащую посреди своего парижского салона на знаменитой кушетке (кушетка-рекамье) с S-образной линией изголовья, позаимствованной у древнегреческих кресел клисмос, — именно так изображена мадам на знаменитом полотне Жак-Луи Давида.

Метки: живопись, искусство, декор, АЯТ, отношение к женщине
 
09:35 24.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Платье из лепестков роз

.

Нравится0
.
.

Метки: творчество, креатив, дизайн, АЯТ
 
04:21 20.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Будни молодых мамочек

Пользовательница «Пикабу» Marypaint, иллюстратор и автор метких шаржей, частенько делилась с сетевой публикой своими работами, а потом вдруг пропала… На днях она снова появилась на просторах сети, наглядно продемонстрировав причину своего отсутствия. Ее серия рисунков, честных и ироничных, прекрасно иллюстрирует будни молодой матери, полные недосыпания, хаоса и неловких ситуаций.
Будни молодых мамочек













Метки: рисунки, искусство, иллюстрации, АЯТ
 
18:58 18.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Eugenio Zampighi

Eugenio Zampighi (1859-1959) родился в Модене, Италия. Он проявил интерес к искусству в раннем возрасте и в тринадцать лет он учился в Академии Дизайна. После окончания курсов он принимал участие в выставках и завоевал шесть медалей за сое творчество. В двадцать лет он выиграл стипендию на обучение в Риме. Здесь он принимал участие в многочисленных выставках и стал почетным членом палаты Академии Модены. В 1884 году он переехал жить во Флоренцию и здесь начал рисовать свои известные предметы жанра, которые были успешно проданы и он получил степень профессора, которая была присуждена ему Советом Академии. Картины художника хранятся в музее искусства в Модене. /

Метки: живопись, искусство, АЯТ
 
16:25 16.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Ложь и правда Притча Художник Чаба Маркус

Однажды ложь и правда купались в озере, сняв с себя одеяния. Когда ложь вышла на берег, ей так понравилась одежда правды, что ложь украла её и ушла. Когда правда вышла на берег, она не смогла надеть одежду лжи, и поэтому так и ходит по миру обнажённой. С тех пор, люди часто воспринимают и преподносят ложь за правду, а голую правду стесняются все.
Художник Csaba Markus (Чаба Маркус) .
.

 
16:18 16.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Дмитрий Левин

Все-таки ужасно приятно иметь еще на земле уголок, куда можно приехать, сесть и слушать, как тикают ходики, и ни о чем почти не думать. ********************* Василий Шукшин
Художник Дмитрий Лёвкин
.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
 
18:22 14.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Ольга Абрамова

Ольга Абрамова родилась в 1976 году в Москве. В 1996 году окончила Московское Художественное училище Прикладного Искусства имени Калинина (МХУПИ), специальность — художник по тканям. В 2000 году окончила Московский Государственный Открытый Педагогический Университет, художественно графический факультет. Диплом был выполнен в технике пастельной живописи. С тех пор пастельная техника является основным и любимым стилем рисования. Участник многих персональных и групповых выставок в России и за рубежом. Автор статей о живописи в технике пастель. С 2001 года является членом Международного ХудожествеОскар Уайльд

нного Фонда.

Метки: живопись, искусство, АЯТ
 
14:44 13.06.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон (1830-1896

Художник Фредерик Лейтон (Leighton Frederick) (1830–1896)
Автопортрет
Процессия с Мадонной Чимабуэ (Cimabue's Celebrated Madonna)_
Обаятельная девушка Лейтон Фредерик (Leighton Frederick) (1830–1896), английский художник и скульптор. Родился 3 декабря 1830 в Скарборо (графство Йоркшир). Его отец был врачом, а дед, сэр Джеймс Лейтон, придворным врачом русского императора Александра I. В детстве Фредерику Лейтону пришлось много путешествовать по Европе. Лейтон начал изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, а позже в Лондоне, Дрездене и Флоренции. Фредерик Лейтон жил и творил в эпоху королевы Виктории. В 1855 впервые выставил свои произведения в Королевской академии художеств и получил награду за картину, приобретенную впоследствии королевой Викторией.
Пылающий июнь Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Лейтон часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника. Среди наиболее известных картин Лейтона – признанный шедевр "Пылающий июнь", 1895; также "Сиракузская невеста", 1866; "Электра у гробницы Агамемнона", 1869; "Летняя луна", 1872; "Купание Психеи", 1890
"Электра у гробницы Агамемнона"
Купание Психеи
Портрет девушки
Патрицианка
Дездемона_
Дева с желтыми волосами
Портрет Мэй Сарторис
Гюльнихаль
Воспоминания
Мать с ребенком
Элегия
Сад Гесперид

Метки: живопись, искусство, работы, АЯТ, портретист
 
21:06 12.06.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Уличный арт...

=
уличный арт....
уличный арт.... - 2
уличный арт.... - 3
уличный арт.... - 4
уличный арт.... - 5
арт=
Метки: искусство, дизайн, арт, АЯТ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Олексій Альошин
Войти