17:30 14.05.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Об искусстве

Земля в конце концов выветривается, и пыль улетает с ветром, все ее люди умирают, исчезают бесследно, кроме тех, кто занимается искусством. Экономика тысячелетней давности кажется нам наивной, а произведения искусства живут вечно. / Эрнест Хемингуэй. Одна из редких, если не единственных цитат Хемингуэя об искусстве. И добавить нечего. Произведения искусства живут вечно, как и их создатели. Также как всепоглощающая страсть человека к прекрасному. Тяга к искусству не может быть навязана извне, ее наследственность мало изучена, но из века в век она снова и снова передается из поколения в поколение.

Искусство — «это душа народа», как писал скульптор Н. В. Томский, это один из самых главных источников общения людей. Искусство пробуждает в человеке радость и наслаждение, сочувствие и сопереживание.

Тяга к прекрасному живет в каждом из нас, будь то к книгам, кино, архитектуре, музыке, театру, живописи. В каждом из нас живет художник, творец и создатель. И совершенно неважно — умеем ли мы рисовать, петь, танцевать или играть на музыкальных инструментах. Искусство — одна из самых важных форм проявления добра. Оно не разрушает, в нем нет зла. И как говорил классик Ф. М. Достоевский — «настоящее искусство всегда современно, насущно, и полезно». Наверное потому искусство будет жить вечно.

Возможно — это и есть самая древняя религия мира, способная объединить человечество. И, наверное, только ей суждено спасти эту планету от зла, бесконечных распрей, конфликтов и войн, от тотального стремления человека к саморазрушению…
Метки: искусство, высказывания, АЯТ
 
22:38 04.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Зловещая "Анатомия": в одесском музее выставлены картины с фрагментами расчлененных тел

До 23 мая в Художественном музее (Софиевская, 5а) будет работать выставка известной украинской художницы Влады Ралко. За последние 15 лет автор создала немало полотен, в которых арт-критики видят «препарирование действительности» и «разрушение устойчивых форм».

Неподготовленный зритель будет шокирован сюжетами картин с фонтанирующими кровью фрагментами тел, стреляющими скелетами, прозрачными биороботами, лоскутами снятой кожи… Влада Ралко, как и подобает настоящему художнику, остро ощущает, что жизнь – боль, ее душа уж точно без кожи. Влада – участница Одесской международной биеннале современного искусства и обладательница премии Всеукраинской триеннале живописи. Как и любой художник, она училась рисовать человеческое тело как с натуры, так и по анатомическим моделям.

«Однажды я тайно взяла костяк человеческой ноги домой, так как не успевала нарисовать его в школе, — вспоминает Влада. – Я везла его завернутым в рулон бумаги, на котором собиралась рисовать. Внезапно поезд метро затормозил, и то, что было человеческой ногой, выпало из рулона на пол. Люди, стоявшие рядом, отпрянули с ужасом. Для меня же этот фрагмент скелета не представлялся страшным – он был будничным объектом, рутинной натурой».


Новый директор музея, Александр Ройтбурд, и сам написал немало картин с рассеченными и даже как будто самовольно отпочковавшимися фрагментами тел, а в одном из проектов использовал фото из анатомического театра. «Героями анатомических таблиц, которые потрясены тайнами собственного строения» называет своих персонажей Влада Ралко. Тут нет противоречия, однако, хоть и вход на выставку с детьми не воспрещается, на наш взгляд, «анатомия» адресована прежде всего взрослому, думающему зрителю.

С другой стороны, в прежние годы в выставочных залах демонстрировалось немало китчевого искусства. И от детей его не прятали.

Автор — Ирэн Адлер, фото Владимира Андреева

Метки: выставка, искусство, АЯТ, современность, жуть и кошмар
 
21:29 03.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Из запасников одесского Худмузея

Новый директор Одесского художественного музея Александр Ройтбурд на своей странице в «Фейсбуке» последовательно привлекает внимание к тем музейным экспонатам, которые долгое время хранятся в фондах, не попадая на глаза зрителям. Одним требуется реставрация, другие в достаточно хорошем состоянии (но идеологические причины заставили их убрать подальше), третьим попросту не хватило места в постоянной экспозиции, но каждая из них хранит свою историю. «Думская» выбрала двадцать лучших шедевров из запасников учреждения и предлагает воспользоваться возможностью виртуально приобщиться к прекрасному!

Номером первым в нашей двадцатке — благостная картина Алессандро Риццони «В Ватикане». Алессандро Риццони — итальянец, российский академик, принимавший активное участие в формировании знаменитой коллекции Третьякова. Религиозность не помешала Риццони впасть в грех самоубийства после того как в журнале «Мир искусства» в 1901 году критик Альфред Нурок назвал его самым худшим из всех современных художников, позором русского искусства и призвал общество избавиться от всех его работ. Не выдержав такой несправедливой жестокости, живописец наложил на себя руки на исторической родине, в Риме, в 1902 году. Страшно подумать, что бы с ним сталось, обвини его кто-нибудь, как Ройтбурда, в рисовании гениталий фекалиями…


Второй номер присваиваем идиллически-красивому, откровенно салонному «Пастушку» (1863) художника-передвижника Василия Перова. В запасники полотно «загремело» еще при советской власти, так как Перова хотели видеть в первую очередь певцом тяжелой народной доли («Тройка», «Проводы покойника», «Приезд станового на следствие»), а не салонным живописцем.

Третий номер – сам Илья Репин, картина «Арабы в пустыне» (1870). Название, скорее всего, дано по недоразумению или чтобы намеренно скрыть истинный смысл, так как в композиции явственно просматриваются ни разу не арабы, а Моисей (с посохом), коленопреклоненный Аарон и сидящая прокаженная Мариам, плюс манна небесная в тарелке на переднем плане. А на заднем плане видим гору Синай. Совсем не арабы…

На четвертом месте – варшавянин и живописец-академист Людвиг Веселовский со своей картиной «Две жертвы Тиберия» (1883). Грешный римский император, содомит и насильник, вел столь изощренно-разнузданный образ жизни, что за подробностями, друзья, обращайтесь к музейным экскурсоводам, когда полотно вернется в постоянную экспозицию.

Под номером пять — комсомольская «Юность» Юрия Егорова (1967), одесского живописца, чья выставка проходит в Киеве в Национальном художественном музее Украины.

«Его имя, а тем более творчество, к сожалению, не очень известны киевлянам, — комментирует экспонат Александр Ройтбурд. — А он был самым значимым художником Одессы второй половины ХХ века, живописцем мирового класса. Для одесской школы он был тем же, чем Яблонская для киевской. Понять одесскую школу без Егорова нельзя — ни официальное искусство того времени, ни одесский нонконформизм, ни Хруща, ни Ястреб, ни Фрейдина, ни Басанца, ни Дульфана, ни Шопина, ни Ануфриева-старшего, ни, кстати, Сергея Ануфриева, ни многих других, в том числе Ройтбурда. Я называл Егорова богом одесской живописи».

Шестой номер из запасников ОХМ — снова Юрий Егоров, тревожное полотно «1918 год». Искусствовед Татьяна Басанец увидела в коллективном герое «грядущего хама».

Номер семь – снова Юрий Егоров, «Лето» (1967).

Под восьмым номером уже последний в нашей двадцатке шедевр Юрия Егорова «Девушка, выходящая из воды» (1969) – тонкая талия и прочие прелести фигуры девушки на фоне игры лучей на морской воде.

Девятый номер в экспозицию можно и не возвращать, и так все ясно: Вячеслав Токарев «Октябрь на рабочей окраине».

Десятый номер обязательно вернуть бы: как-никак, это работа члена Общества независимых художников, одессита Павла Нитше. Картина «К идеалу» — это образец дерзкого нового искусства 1914 года. Эмигрировал, окончил жизнь в 1950 году в Ирландии – в советское время таких авторов старались в постоянную экспозицию не пущать.

На одиннадцатом месте — картина, которую мы бы и сами в экспозицию не пустили. Художник (или художница) Лазаренко (имя уточняется) в оптимистичной соцреалистической манере изобразил (-а) добрых
Лазаря Моисеевича и Никиту Сергеевича со счастливыми трудящимися. Сюжет, прямо скажем, не опередил свое время.

Двенадцатое место – глоток свежего воздуха, картина на века, работа неизвестного автор XVIII столетия «Мальчик с птичкой». Охота считалась достойным занятием для благородного ребенка в те времена. Не спешите осуждать!

Тринадцатый номер совсем не случайно мы присваиваем портрету Сталина работы Исаака Бродского. Это вам не сахарный Лазарь Моисеевич с номера одиннадцатого, это работа крупного мастера.

Четырнадцатый номер – «Революционерка» Юлия Бершадского (1900-е годы), неоднозначный и содержательный женский типаж, долгое время присутствовавший в постоянной экспозиции, затем убранный в запасники. А может, вернуть?

Под пятнадцатым номером – нуждающаяся в реставрации «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской (1939), студенческая работа классика украинской живописи. Ройтбурд обещает, что имя подарившего работе вторую жизнь в течение 10 лет будет указано на табличке, а также на обновленном сайте музея. Сейчас полотно реставрируется.

Метки: искусство, одесса, музей, АЯТ, запасник
 
19:10 02.05.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Все, что вы не знали о фарфоре

Фарфоровые сервизы не одно столетие украшают праздничные столы, придавая им изысканную роскошь. Фарфор к нам пришел из Азии, в прочем, как и мода на сервизы. Производство таких сервизов берет свое начало от производства китайского фарфора и тайн чайных церемоний в Японии. Именно поэтому неотъемлемой частью сервиза всегда был чайник, который, между прочем, можно приобрести на сайте tea-dolina.ru — отличный сервис, вежливые менеджеры, всегда доступные цены и самое главное — это доступность покупки из разных регионов России.
Все, что вы не знали о фарфоре
Первое упоминание о чайных наборах посуды появилось на родине чая и фарфора в Китае приблизительно три-четыре столетия назад. Германия долго была монополией по изготовлению фарфоровых шедевров в городе Мейсен.

Именно в Мейсене был изобретен собственный рецепт фарфора, который прославил этот город. Изначально фарфоровую посуду поставляли из Китая, способ приготовления содержался в строжайшем секрете, за разглашение которого подразумевалась смертная казнь. Затем появились японские наборы. Посуда, изготовленная Кедлером в городе Мейсене, очень роскошная и утонченная, особая черта – грациозная пластика. Это можно наблюдать в легендарном «Лебедином сервизе». Произведение искусства выпустили в свет в 1737 году в подарок влиятельному политику того времени премьер-министру Брюлю, который служил при дворе польского короля Августа III.


Кендлер был автором еще одного сервиза, который прославил его. Это был заказ саксонского кюрфюста Августа III в подарок молодой девушке Софии Августе Фредерике фон Анхальт-Цербст-Дорнбург на свадьбу с наследником российского престола Петром Федоровичем. На сервизе была роскошная роспись в виде герба Российской империи и ордена Андрея Первозванного.



По сей день в Государственном Эрмитаже бережно сохранены семьсот семьдесят уцелевших из девятисот сорока четырех предметов посуды с интересным названием «Сервиз с зеленой лягушкой». Он предназначался для «придорожного дворца» в Финляндии в Кекерекескинене, в переводе означает «Лягушачье болото». Заказчиком выступила Екатерина II, по ее просьбе на каждом фарфоровом предмете нанесено изображение зеленой лягушки на гербовом щите.

Весь екатерининский сервиз состоял из двух элементов: обеденная часть насчитывала шестьсот восемьдесят предметов, в составе десертной части было двести шестьдесят четыре, и все они декорированы изображениями достопримечательностей британского королевства.

В 1790 году по индивидуальному заказу последующего короля Дании Фредерика VI создали совершенно неповторимый сервиз из тончайшего фарфора «Флора Дании». Его еще называют фарфоровым гербарием, потому что на каждый предмет сервиза была нанесена медная гравировка всех растений ботанического атласа, изученных на то время. Их насчитывалось порядка две тысячи шестьсот видов, а работа длилась более шести лет.


Малоизвестное фарфоровое произведение искусства «Египетский сервиз» не имеет аналогов в мире, он практически не выставлялся напоказ, но представляет собой огромную ценность. Стоит в настоящее время этот сервиз в России, в музее «Усадьба Кусково XVIII века». Уникальность этого сервиза заключается в том, что на фарфоре были выгравированы бароном Виван Деноном египетские военные зарисовки, основанные на реальных событиях. Данный сервиз был подарком императору Наполеону от его личного советника по культуре.


Развитие культуры в Советском союзе находилось в тупике.Каждый вид искусства был заключен в оковы социалистического реализма, и шел под флагом марксизма-ленинизма в рамках пятнадцати Советских Социалистических республик. Но исконно-русские народные промыслы ничем не удавалось притеснить, самобытные талантливые мастера не переставали удивлять своими шедеврами. Производство фарфора не потеряло своей актуальности и на базе Императорского фарфорового завода были построены советские предприятия. Сервизы выпускали по рецептам, разработанным на заводах князя Юсупова, Гарднера, Батенинского. И вопреки ленинскому культу, сервизы украшали портретами Владимира Ильича, Дзержинского, баталиями гражданской войны, подвигами трудовых пятилеток. Со временем другие исторические моменты были запечатлены на фарфоре – победа в Великой отечественной войне, освоение космоса, и первый полет в Гагарина.

Метки: искусство, фарфор, АЯТ, сервизы
 
04:30 02.05.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В Одесском художественном музее отреставрируют еще один шедевр

Еще один шедевр из запасников Одесского художественного музея будет отреставрирован за счет мецената.

Об этом рассказал директор учреждения Александр Ройтбурд.


Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года
Картина находится в очень плохом состоянии, и реставрация займет не меньше года

«Стартует процесс лечения, наверное, самого тяжелобольного экспоната, — говорит он. — Это «Христос и грешница» Людвига Веселовского, того самого, который написал «Две жертвы Тиберия». Реставраторы обещают через год вернуть полотно к жизни и в экспозицию».

Картина написана масляными красками на холсте. По словам Ройтбурда, реставрировать ее будут специалисты национального научно-исследовательского реставрационного центра Украины Илья Поляков и Вадим Оноприенко. Профинансирует работу телеведущий Андрей Суханов («Говорит Украина»).

«Христос и грешница» — уже четвертое полотно из запасников ОХМ, восстановлением которого занялись после смены руководства музея. 11 мая публике представят картину Константина Маковского «Ромео и Джульетта». Она обрела новую раму. Кроме того, сейчас реставрируется «Гуцульская пара» Татьяны Яблонской и «Мясо» Бориса Яковлева.

Ройтбурд также поделился планами по изменению экспозиции музея: «Мы с главным хранителем Людмилой Ереминой условно назвали грядущие перемены «раскрестьяниванием» — жанровая живопись передвижников и сценки из крестьянского быта ужмутся, чтобы большее место занял, например, некогда репрессированный салон», — отметил руководитель.

А еще Одесский художественный станет первым музеем Украины, в котором появится не просто автоматизированная система продажи билетов, а полноценный билетный принтер. Оборудование, программное обеспечение и клише учреждение получило тоже при поддержке меценатов, привлеченных волонтерской инициативой Museum for Change.

Метки: искусство, одесса, музей, реставрация, АЯТ
 
19:51 19.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

У мема "distracted boyfriend" нашелся предшественник. Это картина XVIII века

Картину «Гаррик колеблется между Трагедией и Комедией» написал английский художник Джошуа Рейнольдс в 1761 году. Картина воспроизводит аллегорический сюжет про героя, который находится на распутье. Обычно художники неоклассицизма изображали античного героя Геракла, который колеблется между Добродетелью и Пороком.

" title="View on Twitter">

Fun fact: the painting is by Joshua Reynolds and it depicts the actor David Garrick stuck between the alure of Comedy and the prestige of Tragedy, so here’s a depiction of how the meme would have worked in its original context.

«Интересный факт: картина Джошуа Рейнольдса изображает актера Дэвида Гаррика, который застрял между заманчивой Комедией и престижной Трагедией, так что вот пример, каким бы был мем в первоначальном контексте»

Пользователь твиттера под ником @ELXGANZA обнаружил более раннюю версию мема «distracted boyfriend» про мужчину, который держит за руку девушку, но заглядывается на другую.

Сравните сами:

Подписчики ELXGANZA согласились, что картина очень похожа на снимок, ставший мемом.

View image on TwitterView image on Twitter

Метки: сравнение, шутка, искусство, АЯТ, МЕМ
 
21:21 15.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина маслом — эксклюзивный штрих в интерьере

Придать атмосфере элитарности, привнести в интерьер любого стилевого направления особый шик, сделать пространство поистине неповторимым под силу лишь настоящим шедеврам живописи. Картины, написанные маслом, никогда не выходят из моды, а лишь становятся признаком безупречного вкуса своих владельцев. Полотна уместны абсолютно во всех типах помещений, начиная от столовых и гостиных, заканчивая офисами и детскими комнатами. Такой элемент интерьера способен стать центральным элементом в оформлении или же объединить воедино в гармоничную концепцию уже имеющиеся предметы декора. И чтобы художественный шедевр смотрелся великолепно, необходимо знать о некоторых нюансах выбора тематики и стиля живописи.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



В прихожих и холлах уместны пейзажи и оригинальные цветочные композиции, выполненные в спокойных тонах. Такие холсты смогут создать поистине уютную спокойную домашнюю атмосферу. Присутствие картин, написанных талантливыми художниками, не только с первых моментов вашего прихода домой сможет наполнить гармонией и комфортом, но и скажет вашим гостям о том, что здесь чтут вечные ценности. В столовых органично смотрятся картины маслом, такие как тут, — на которых изображены натюрморты с обилием даров природы.

Сочные тона, разнообразие красок, яркая палитра – все это привнесет ощущение свежести и умиротворения. Полотна в спальнях создают легкую романтическую обстановку, если на них изображены крупным планом любимые цветы, птицы, являющиеся символом верности, роскошные пейзажи. В кабинете идеально будет смотреться картина с изображением гор и замков, видами на море, выполненная в перспективе. Написанное маслом полотно придаст респектабельности и индивидуальности такому помещению, поможет расслабиться после трудного дня или же придаст уверенности для принятия сложных решений. Если говорить о детских комнатах, то сложно переоценить присутствие художественного шедевра в поле зрения подрастающего ребенка.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



Картины, написанные маслом, буквально оживают в детском воображении и прививают вкус к прекрасному с ранних лет. Животные, сказочные замки, корабли под парусами на водной глади – все это превратит интерьер детской в волшебный мир.

Подобрать картину для своего дома или же выбрать холст в качестве роскошного подарка сегодня несложно. Достаточно посетить интернет магазин artofrussia.ru, где всегда открыта продажа полотен талантливых художников. Здесь не только помогут с выбором, но и напишут маслом по индивидуальному заказу, будь это репродукция известной картины или портрет. Оформленное в красивый багет, полотно будет доставлено в указанное место. Вас поразит не только искусная работа, но и доступность цены созданных шедевров.

Метки: искусство, дизайн, выбор, картины, АЯТ
 
06:43 15.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Реставрация оперного театра в Баварии

В Баварии завершена реставрация Маркграфского оперного театра в Байройте, построенного в эпоху барокко и включенного в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Маркграфский оперный театр

Первый спектакль после завершения реставрации Маркграфского оперного театра (Markgräfliches Opernhaus) состоится в Байройте в четверг, 12 апреля. Премьерная публика увидит оперу Иоганна Адольфа Хассе "Артаксеркс", показом которой он был открыт в 1748 году.

Накануне премьеры в театр пригласили фотографов. Сначала посмотрим, на что были потрачены 30 миллионов евро из баварской государственной казны, а затем познакомимся с историей этого уникального места, а также с советами и рекомендациями одного из оперных певцов, выступавших на его сцене.

Отметим также, что большинству любителей классической музыки и знатоков Германии Байройт известен, в первую очередь, как место проведения Фестиваля музыки Рихарда Вагнера. Он проходит здесь — с некоторыми перерывами с 1876 года и постоянно с 1951 года — в специально построенном для этой цели при участии самого композитора театре — Фестивальном доме (Festspielhaus). Байройтский оперный театр появился в этом городе намного раньше.

Фотогалерея: Маркграфский оперный театр

  • Маркграфский оперный театр

    МАРКГРАФСКИЙ ОПЕРНЫЙ ТЕАТР

    Маркграфский оперный театр в Байройте, Бавария


В Европе осталось немного прекрасно сохранившихся оперных театров XVIII века, Маркграфский оперный театр (Markgräfliche Opernhaus) в баварском городе Байройт (Bayreuth) — один из них. В середине 2012 года он был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Уникальный памятник европейского барокко

Торжественное открытие театра состоялось в 1748 году. Его возвели всего за четыре года по заказу маркграфини Вильгельмины Прусской (Wilhelmine von Preußen) — любимой сестры Фридриха Великого (Friedrich der Große) и супруги маркграфа Фридриха Бранденбург-Байрейтского (Friedrich III. von Brandenburg-Bayreuth).

Считается, что этот храм оперного искусства предвосхитил появление театров для широкой публики в XIX веке. Его зал рассчитан на пятьсот зрителей. В нем до сих пор сохранились оригинальная отделка и интерьеры барочной эпохи. Уникальными считаются лепнина, великолепные занавесы из расписной ткани и ложи с резьбой по дереву.

Памятник маркграфине Вилгельмине

Памятник маркграфине Вилгельмине перед театром

Метки: искусство, реставрация, АЯТ, оперный театр
 
13:09 10.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Флейта — древнейший музыкальный инструмент

Флейта неспроста относится к одному из наиболее древнейших по происхождению музыкальных инструментов, ввиду того, что возрастной показатель археологических находок варьируется в пределах 35.000-40.000 лет. Данный инструмент в каждой стране мира сыскал своих сторонников, которые просто в восторге от игры на нем. Благодаря такой популярности, с течением времени флейты усовершенствовали, поэтому на сегодняшний день их ассортимент восхищает.

К сожалению, на сегодняшний день крайне сложно найти действительно виртуозного игрока на этом инструменте. А если верить статистическим данным, то во всем мире количество мастеров всего в 7.000 человек! И этот факт действительно печален, но если вы читаете данную статью значит заинтересованы в данном инструменте самолично либо желаете, чтобы ваш ребенок был обучен им. Именно поэтому предлагаю познакомиться с программой обучения в музыкальной школы "Вируозы" — здесь.

Немного истории:
Так, этот инструмент находится в Книге Рекордов именно благодаря своему возрастному показателю. Первые упоминания о ней свидетельствуют, о том, что ее истоки уходят в далекий 19 98 год, именно тогда на нее впервые наткнулся некто Иван Тюрк доктор палеонтологии Иван Тюрк.


Также, продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий была известна в Древнем Египте аккурат 5.000 лет назад, а в КНР — порядка 3.000 лет назад. Япония и Индия узнали о ней — более 2.000 лет назад.


Так мы уже говорили, инструмент частенько претерпевал изменения — одно из них: добавление к пальцевым отверстиям клапанов (XVII век) французскими мастерами, в число которых входит и небезызвестный Жак Оттетер. Благодаря расширенному новшеству, стало возможным воспроизводить на инструменте хроматический звукоряд.


Впрочем, век духовного инструмента был не долгим, ближе к концу XVIII данную разновидность флейты вытеснила на задний план поперечная, ввиду своих более эффективных функциональных возможностей.

Одним их передовых специалистов, который придал инструменту именно тот внешний вид и функциональные возможности, был Теобальд Бем, уроженец Германии, флейтист и по совместительству композитор. Следует отметить, что после осуществленных им действий по улучшению инструмента, в дальнейшем флейта не особо была видоизменена.


Примечательно и то, что во многих странах этот духовный инструмент получил собственную национальную разновидность. На практике это выглядит следующим образом: Инструмент Ирландии являет собой поперечное изделие самой классической системы, не имеющей в своем строении клапанов, чего нельзя сказать о кене — представляющая собой продольную тростниковую флейту Андского региона (Южная Америка). Еще одна разновидность: ди — древний Китайский инструмент (поперечный), изготовлен из бамбука, тростника, разных пород дерева и даже камня (нефрита) и др.

Интересный факт: По утверждениям ученых умов, получается, что игра на духовном инструменте весьма благотворно сказывается на положительно сказывается на общем состоянии здоровья, в том числе и на умственном развитии детей.

Эти инструменты на протяжении всего времени производили с различных материалов, которые только существуют в мире, начиная от костей животных и заканчивая шоколадом! Да, да — Вы не ослышались, именно из этого продукта!



Метки: музыка, история, искусство, инструмент, АЯТ, флейта
 
20:12 05.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Что такое современный театр? И как начать в нем разбираться?

Театр бывает классический и современный

Слово "классический" вообще неприменимо к театру. Классика — это искусство прошлого, которое не утратило популярности. А театральная постановка по сравнению с романом, фильмом или картиной живет совсем недолго — всего несколько лет. Она просто не успевает стать классикой. Исключения бывают, но редко: это спектакли, не сходящие со сцены десятилетиями, в которых уже сыграли несколько поколений актеров. Например, "Арлекин — слуга двух господ" итальянского режиссера Джорджо Стрелера. Постановка появилась в 1947 году и до сих пор гастролирует по миру. Если вы видите на сцене людей в исторических костюмах, изображающих Отелло с Дездемоной, — правильнее называть это традиционным театром, а не классическим.

2

Чем традиционный театр отличается от современного?

Четкой границы не существует. Допустим, вы играете пьесу Шекспира в современных костюмах и без декораций. Никто не назовет вашу постановку традиционной, — во всяком случае, в России. Но вы по крайней мере используете пьесу, актеров и сцену. А другой режиссер ставит спектакль на заброшенном заводе. Или без артистов. Или без текста. Или все сразу. С его точки зрения, вы — традиционалист. Сегодня понятия "театр" и "спектакль" намного шире, чем 100 или даже 50 лет назад. Иногда современный театр похож на театр в общепринятом смысле слова (как, например, спектакли Константина Богомолова или Кирилла Серебренникова). Иногда — вообще не похож (как постановки Всеволода Лисовского или немецкой театральной группы Rimini Protokoll).

3

Разве может быть спектакль без актеров?

Представьте себе. Немецкий режиссер и композитор Хайнер Гёббельс поставил спектакль "Вещь Штифтера" без единого артиста: публика в течение часа наблюдает за водой, паром и машинами. У тех же Rimini Protokoll есть проект "Remote X", где зрители ходят по городу в наушниках и слушают указания гида, чья речь синтезирована компьютером. А швейцарская театральная компания Magic Garden сделала спектакль "Questioning/Кто ты?", где вам предложат заполнить несколько анкет — только и всего (самое странное, что это безумно увлекательно). Подобные проекты можно назвать сеансами самопознания: зритель наблюдает не за персонажем, а за собой. Так устроен и новый проект "Зеркало Карлоса Сантоса", вместе с которым мы сделали эти карточки, — часть спектакля проходит без участия актеров.

4

То есть зрители теперь не просто сидят и смотрят?

Да, интерактивность — главный тренд современного театра. Некоторые спектакли похожи на компьютерные игры с открытым миром: вы свободно ходите из зала в зал и сами выбираете, за кем из героев следить. В других постановках взаимодействия еще больше: актер может задать вам вопрос или попросить что-то сделать.

В "Зеркале Карлоса Сантоса" зрителей ведут через 12 комнат, причем в разных помещениях — разные правила: где-то вы только смотрите, где-то слушаете, а где-то наблюдаете за собой и своими мыслями.

5

Какие еще есть направления?

Еще есть документальный театр, физический театр, театр художника и множество других. Документальный театр очень разнообразен. Иногда в нем применяют технику вербатим — актер или драматург записывают речь какого-нибудь человека, и потом она произносится со сцены как монолог. Человек может и сам рассказать о себе зрителям — как это было, например, в спектакле Rimini Protokoll "Cargo Moscow" с участием российских дальнобойщиков. В физическом театре главное — тело актера, его движения, позы и жесты, в таком спектакле слов может не быть совсем. Театр художника сосредоточен на работе с предметами и фактурами. Эти направления часто пересекаются: например, постановку греческого режиссера Димитриса Папаиоанну "Великий укротитель" можно отнести и к физическому театру, и к театру художника.

Метки: театр, виды, АЯТ, объяснение, жанры
 
12:50 04.04.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Экспозиция голландской живописи

В ГМИИ имени А. С. Пушкина привезли шедевры из крупнейшего в мире частного собрания старой голландской живописи, принадлежащего Томасу Каплану и Дафне Реканати-Каплан.

Царь Давид на фоне Святого Петра

Это не просто искусство, созданное во времена Рембрандта и Вермеера (выставка, открывшаяся 28 марта, так и называется: «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции»), здесь присутствуют и сам Рембрандт Харменс ван Рейн — дюжиной живописных работ и рисунком «Отдых молодого льва» (1638-1642), и Ян Вермеер Делфтский, чья «Девушка за верджинелом» (1670-1672) из коллекции Капланов — единственный холст художника, находящийся в частных руках.

В экспозиции участвуют работы Геррита Дау, первого ученика Рембрандта, и автопортрет Говерта Флинка, одного из самых значительных его учеников; по несколько вещей лейденца Габриэла Метсю (по происхождению большинства художников коллекция и названа Лейденской) и ученика Дау Франса ван Мириса Старшего, включая его «Даму с попугаем» (1663), с которой современники снимали копии.

Здесь есть и третье поколение учеников, и четвертое — делфтских, утрехтских. На выставку привезли две работы Франса Халса из Харлема — трудно было коллекционеру удержаться от приятного дополнения. Как и от соблазна показать созданную Леонардо да Винчи голову медведя: считается, что в «Даме с горностаем» художник, никогда не видевший горностая, использовал рисунок той самой медвежьей головы, слегка ее удлинив.

В Белом зале Пушкинского музея выставлена живопись Яна Ливенса, друга и соперника Рембрандта, с которым тот делил мастерскую в Лейдене (в том числе блестящий его ранний автопортрет), а на галерее — «Давид и Урия» (1619) их с Рембрандтом общего учителя Питера Ластмана. Ластман, известный своей страстью к непопулярным ветхозаветным сюжетам, писал их как вполне исторические, перенося действие в знакомый и понятный контекст. Сцена, где царь Давид — разумеется, в плаще, подбитом горностаем, — передает обманутому супругу Вирсавии смертоносное письмо, изображена на фоне римской базилики Святого Петра.

Другой не часто цитируемый сюжет — ангел, который указывает обезумевшей от жажды Агари на источник, — написал Карел Фабрициус, самый талантливый ученик Рембрандта. «Явление ангела Агари» (около 1645 года), одна из главных здесь вещей, — единственная хранящаяся в частном собрании картина художника. Фабрициус, погибший молодым при взрыве порохового склада в Делфте (для тех, кто читал «Щегла» Донны Тарт, — речь в романе идет именно о его картине), успел очень мало: известно всего 16 его подтвержденных работ. Конкретно это полотно было продано в 1704 году как работа Фердинанда Бола (еще одного ученика Рембрандта, чьи холсты тоже привезли в ГМИИ), а в течение двух с половиной столетий, когда оно хранилось в австрийской коллекции графов Шенборн-Буххайм, его приписывали Рембрандту. Только в 2011-м при расчистке обнаружилась подпись Фабрициуса в левом углу.

Портрет за рудник

Начало Лейденской коллекции, которой — невозможно в это поверить! — всего-то 15 лет, было положено в 2003-м, когда американский предприниматель и филантроп Томас Каплан, глава нью-йоркской Electrum Group LLC и учредитель (вместе с супругой Дафной) фонда защиты от вымирания крупных кошачьих Pantera приобрел своего первого Геррита Дау — «Портрет Дирка ван Беренстайна» (около 1652 года), продав для этого серебряный рудник.

Главные завоевания — конечно, Рембрандт, которого у Капланов больше, чем у кого-либо из частных собирателей. У них и «Минерва» (1635), заставляющая вспомнить образцовых «рембрандтов» из Эрмитажа и Прадо, и «Девушка в расшитой золотом накидке», украденная в 1975-м из Музея изящных искусств в Бостоне и через 10 лет проданная на аукционе. Благодаря Рембрандту, увиденному в музее Метрополитен, шестилетний Томас Каплан пристрастился к старым голландцам, и в восемь родители взяли его в Амстердам. Ему было 44, когда он купил первых «рембрандтов». Покупал у дилеров, занимающихся старой живописью, редко на аукционах, считая невероятной удачей, что все эти вещи продавались: «Мне везло, потому что я очень быстро принимал решение».

Сейчас Томасу Каплану 55 лет, жене и того меньше, а Лейденская коллекция насчитывает 250 вещей, из которых 30 были показаны в 2017 году в Лувре, после этого вдвое больше — в Национальном музее Китая, и теперь 82 — у нас.

Вторая поразительная особенность Лейденской коллекции, после ее исключительного уровня, — открытость. Решив, что лучшее, что можно сделать с искусством, — предъявить его миру, супруги Каплан выставляли его в американских музеях анонимно. В музее Гетти в Лос-Анджелесе долго висел, например, «Мальчик в плаще и тюрбане» Ливенса без упоминания владельца. По мере накопления картин и знаний, проведения исследований и реставраций, чувствуя необходимость делиться информацией, владелец коллекции запустил сайт, где теперь можно увидеть полное собрание и узнать о нем все.

По картине в неделю

В 2015 году Капланы купили живописную панель «Пациент, упавший в обморок (Аллегория обоняния)» — одну из аллегорий четырех чувств, созданных 18-летним Рембрандтом, в дополнение к еще двум панелям, которые у них уже были. До 2015 года она считалась утерянной, как и «Аллегория вкуса», пока не всплыла на третьеразрядном американском аукционе под видом работы неизвестного автора с эстимейтом 500-800 долларов. Продана, правда, была почти за миллион.

Предвосхищая вопрос, связанный с Вермеером — потому что он всегда вызывает вопросы, сохранилось всего 36 его вещей, — следует объяснить, что на этот раз происхождение бесспорно: экспертиза подтвердила, что холст для картины был отрезан от того же рулона, что и для висящей в Лувре «Кружевницы». Другое дело, что шаль, в которую кутается девушка, дописана позже, другой рукой и заметно грубее.

Так или иначе, почти у каждого шедевра в Лейденской коллекции своя история, и отдельные из них тянут на детективы. Дело не только в неправильной атрибуции, хотя Каплан признается, что исправление ошибки обычно происходило в его пользу и еще ни разу он не прогадал при покупке. Просто за 300-350 лет существования шедевров с ними чего только не случалось. Особенно во времена Третьего рейха, когда гонения на евреев, которых хватало среди арт-дилеров, вынудили многих бежать, а кто-то и погиб, как голландский коллекционер Жак Гаудстиккер. Принадлежавшая ему картина Питера Ластмана была реквизирована в собрание Германа Геринга, после войны оказалась в голландском музее и лишь в 2006 году в результате многолетних судов возвратилась к наследнице дилера, проживающей в США. Тот же путь проделало «Жертвоприношение Ифигении» (1671) лейденского художника Яна Стена, а его «Притча о богаче и Лазаре» (1677), отданная владельцем картины за свое и своей семьи спасение в 1940 году, на пять лет попало к Гитлеру в Линц.

В Лейденской коллекции есть работы, украшавшие собрания короля Августа и герцога Орлеанского, висевшие в мюнхенской Старой пинакотеке. «Портрет сидящей женщины со скрещенными руками» (1658), атрибутируемый сейчас Рембрандту, а прежде считавшийся работой учеников, принадлежал семейству Гуггенхайм. Но для российских зрителей он важен еще тем, что позировала для него, похоже, та же модель, что и для рембрандтова «Портрета старушки», висящего по соседству с нынешней выставкой в ГМИИ.

Лейденская коллекция в целом выглядит здесь не случайной — и в Москве, где выставка работает до 22 июля, и тем более в Санкт-Петербурге, куда она отправится потом. Многое в ней напоминает об Эрмитаже — не только нам, но и владельцу сокровищ. Вспоминая счастливое время, когда они с женой покупали по картине в неделю, Томас Каплан замечает, что Екатерина II всю такую коллекцию могла бы купить за день. Некоторые из этих вещей как раз она и купила. Например, «Торговку селедью» (1964) Геррита Дау вместе с другими его работами, часть из которых — в том числе знаменитый «Старик, рассматривающий глобус», подаренный одному из братьев Орловых, — со временем все-таки вернулась в Эрмитаж. А «Торговка…», также подаренная фавориту, в конце 1920-х ушла на Запад. «Она изображена в своей лавке, где видны связки лука, пучки моркови, кочан красной капусты и бочка с сельдью. Женщина достает одну селедку и показывает ее мальчику, которому, очевидно, весьма хочется ее отведать», — говорится об этой картине в первом, рукописном еще каталоге Эрмитажа, где она значится под номером 534.

Дау много в Эрмитаже. Но миниатюрные образцы лейденской тонкой живописи (fijnschilderij), которую Дау фактически создал, задали отдельное направление и в Лейденской коллекции. Гладкая, как эмаль, поверхность, досконально выписанные мелочи, бытовые сценки, в деталях изображенные на доске или медной пластине — кабинетная живопись, всегда очень скромных размеров, редко писались на холстах, — все сделано c такой ювелирной точностью, что понятно, почему мастера тонкой живописи были так популярны при жизни.

Она и сейчас выглядит как кунштюк и показана здесь в отдельных витринах, как в кунсткамере. Ирина Соколова, куратор будущей эрмитажной выставки (куратором московской экспозиции стал заведующий отделом искусства старых мастеров ГМИИ Вадим Садков), считает, что собрание Капланов в целом «воплощает замысел, весьма сходный с кабинетами живописи европейских знатоков искусства XVII-XVIII веков». Выставленные в ряд, эти откровенные, пусть и невинные сцены — «Кошка, присевшая в мастерской художника» (1657) или «Молящийся старик» (около 1665-1670 годов), кажутся подсмотренными в замочную скважину и напоминают о вынужденной традиции протестантской Голландии не задергивать шторы в окнах, выставляя жизнь напоказ.

Метки: живопись, искусство, экспозиция, АЯТ
 
19:14 02.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина Яна Вермеера "Девушка с жемчужной сережкой".

В конце февраля музей Маурицхейс в Гааге запустил проект «Девушка в центре внимания» (Girl in the Spotlight), посвященный «Девушке с жемчужной сережкой», самой известной картине Яна Вермеера, которая хранится в собрании музея. Больше двух недель группа ученых, реставраторов и историков искусств впервые с 1994 года — когда картину в последний раз реставрировали — исследовала картину Вермеера при помощи микроскопов, инфракрасных спектрометров и рентгеновских аппаратов. На протяжении всего исследования реставратор Эбби Вандивер вела блог. «Медуза» рассказывает, что нового ученым удалось узнать о картине с 350-летней историей.

Художник делал краски на основе подогретого масла

Чтобы получить масляные краски, в XVII веке художники или их помощники смешивали красящие пигменты с маслом, которое часто добывали из льна. Полученные краски они хранили в закрытых горшках или в высушенных мочевых пузырях животных. Ученые из музея Маурицхейс исследовали микроскопический фрагмент краски с картины методом газовой хроматографии/масс-спектрометрии (ГХ/МС) — это технология, способная распознавать химические вещества даже в самых сложных смесях. Оказалось, что Вермеер использовал специальный тип масла, которое, возможно, даже делал сам. Для изготовления красок масло сначала прокаливалось при температуре около 300 градусов по Цельсию — это позволяло контролировать густоту краски, делать ее более гладкой, глянцевитой и, вероятно, даже быстросохнущей.

Краски для картины делались из ртути, свинца и мексиканских червецов

Для того чтобы узнать, какие красители в каких фрагментах картины использовал Вермеер, ученые пользовались сканирующим электронным микроскопом (пучок электронов фокусируется на маленьком фрагменте картины в поперечном сечении и определяет его атомный состав), ультрафиолетовыми лампами, жидкостными хроматографами (компоненты сложной смеси, такой, как краска, разделяются, чтобы определить состав смеси) и другими приборами. Им удалось выяснить, что красный пигмент на губах и щеках героини картины — это смесь на основе киновари, оранжево-красного пигмента из сульфида ртути, который в XVII веке в больших масштабах производили в Амстердаме и Антверпене.

Еще один красный краситель, который художник использовал для работы над лицом «Девушки», — кармин, получаемый из карминовой кислоты, которую вырабатывают самки кошенили, или кошенильного червеца. Кошениль водится в Мексике, в XVI-XVII веках его активно экспортировали в Испанию, а оттуда поставляли в другие европейские страны. Вероятно, кармин на щеках вермееровской героини — тоже родом из Мексики. Сегодня кармин, который стал гораздо более распространен, чем во времена Вермеера, используют как пищевой краситель — например, для окрашивания сосисок или сыра.

Непрозрачная белая краска, которой художник писал рубашку девушки, белки ее глаз, блики на платке и блик на жемчужине, — это свинцовые белила. Ученые проанализировали образец белой краски с картины и определили, что свинец для нее был добыт из тех же месторождений, что и для других североевропейских картин.

В «Девушке с жемчужной сережкой» Вермеер активно использовал ультрамарин — синей краской на его основе художник не только написал платок на голове героини, но и прорисовал им складки одежды. Пигмент, получаемый из лазурита, добывали в Средней Азии и отправляли в Европу по Шелковому пути. Затраты на доставку и производство делали ультрамарин одним из самых дорогих красителей — дороже золота. Это лишний раз подтверждает, что материальное положение Вермеера, отца 15 детей, писавшего не больше двух картин в год, было весьма неплохим — возможно, благодаря богатым заказчикам или покровителям.

Холст картины очень похож на другие холсты, которые использовал Вермеер

В Голландии XVII века было много ткацких мануфактур. Холстом для картин обычно служила ткань, сплетенная из льняных волокон. Она продавалась кусками или целыми рулонами. Недавние исследования показали, что несколько картин Вермеера были написаны на кусках холста из одного и того же рулона. Холстов, аналогичных тому, на котором написана «Девушка с жемчужной сережкой», до сих пор обнаружить не удалось, но новейший анализ рентгеновских снимков картины показал, что основой для нее послужило такое же полотно, как обычно покупал Вермеер, — простого тонкого плетения. Количество льняных нитей на сантиметр холста — 14,66 горизонтальных и 14,5 вертикальных — тоже примерно такое, как в других картинах Вермеера.

Метки: живопись, искусство, исследование, АЯТ, Ян Вермеер
 
08:12 30.03.2018
Добрая Фея опубликовала новые фото
Без названия  
 
17:58 28.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

КОТЫ В ЖИВОПИСИ

Первые изображения домашних кошек относят к временам Древнего Египта. С тех пор как кошки прижились подле человека, они вошли не только в быт, но и в искусство. О пушистых питомцах, обитающих на страницах художественных произведений, мы уже поговорили, теперь пришло время обратиться к образу кошки в изобразительном искусстве.

древнеегипетский барельеф
На этом древнеегипетском барельефе человек охотится на птицу, причем в охоте участвует кот. Какую роль он выполнял — вспугивал ли дичь или приносил добычу — точно неизвестно

Кошки в древнем искусстве

В искусстве древних народов, прежде всего Древнего Египта, встречается множество изображений котов и кошек. Это связано не только с тем, что кошки почитались в Египте как священные животные, но и с тем, что их роль в жизни человека становилась незаменимой. Кошки помогали бороться со страшными паразитами, разносчиками болезней — крысами и мышами.

Изображения кошек в Римской империи

В искусстве греко-римского мира особенно привлекают внимание барельефы с изображением кошек на поводках. Эти изображения свидетельствуют, что кошки уже тогда были приручены и рассматривались в качестве домашних животных.

Кошка с куропаткой в пасти
Кошка с куропаткой в пасти. Римская мозаика
Грехопадение (фрагмент)
Грехопадение (фрагмент), Корнелиус ван Хаарлем, 1592 г. Государственный музей, Амстердам (Нидерланды)

Кошки в искусстве Средневековья и Возрождения

В средневековом искусстве кошка предстает как воплощение дьявола, и лишь на некоторых картинах мы видим доброе отношение к кошке как к домашнему питомцу. Вот такая парочка приютилась у корней древа познания — они символизируют животную природу, но в то же время более миролюбивы, чем змей-искуситель. Кошка служит символом быстротечности и непрочности земного бытия в противовес небесному. Постепенно отношение к кошкам меняется, и в моду входят портреты с этими домашними питомцами.

Двое детей дразнят кота
Двое детей дразнят кота, Агостино Карраччи, между 1588 и 1590 гг. Метрополитен— музей, Нью-Йорк (США)

Кошки в искусстве XIX в.

Особенной популярностью пользовалась тема домашних питомцев в Европе XIX в. Целый ряд работ посвятили этим очаровательным животным голландская художница Генриетта Роннер-Книп, французские художники Альфред Артур Б. де Нёрвиль, Теофиль Стейлен, английские живописцы Горацио Коулдри, Луис Уэйн, немецкий художник-анималист Юлиус Адам II, бельгийский художник Шарль Ван ден Эйкен II.

Четыре кота в разных позах
"Четыре кота в разных позах", Куниоши Утагава

Кошки в живописи Японии

Хотелось бы отдельно упомянуть о кошках в японской живописи. Их образ там столь же неоднозначен, как и само поведение кошек. С одной стороны, кошки предстают в образе хитрецов, пособников лис и даже оборотней. С другой стороны, считается, что кошка приносит счастье.

Вместе с тем кошка символизирует гармонию и равновесие. Трехцветные кошки (обратите внимание — темные пятна обязательно находятся в обрамлении рыжего или серого тона), по преданию, приносят своему владельцу счастье.

Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.
Три поющих кошки, Луис Уэйн, 1925 г.

Кошки в человеческой одежде

Английский художник Луис Уэйн так любил рисовать кошек, что они стали для него универсальным образом, через который он воспринимал и передавал мир людей. Первоначально его кошки не носили одежек, но уже занимались чисто человеческими делами — играли в гольф, пели и танцевали. А на более поздних картинах они стали пародировать человеческое поведение и манеру одеваться. Уэйн признавался, что на самом деле скорее рисует людей, чем кошек, наделяя их кошачьими чертами. Он считал такие работы своими лучшими шутками.

Метки: коты, живопись, искусство, АЯТ
 
10:19 27.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Тревога глубоко подавленного гея" За что автор самой жуткой картины Америки чуть не лишился уха

В Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке идет выставка «Грант Вуд: "Американская готика" и другие легенды». В экспозицию вошли картины художника, создавшего одну из самых знаменитых работ XX века. По словам кураторов, наследие Гранта Вуда не ограничивается «Американской готикой» — пугающим произведением, которое, по замыслу автора, должно было отразить патриотический дух фермеров времен Великой депрессии, но воспринималось лишь как насмешка над сельскими жителями. Фермеры Айовы возненавидели Вуда за то, какими он изобразил их на своем полотне, одна женщина даже грозила откусить ему ухо.

«В своей живописи Вуд хотел создать мир гармонии и процветания, который стал бы ответом на нужду Америки во времена экономических и социальных беспорядков, вызванных Депрессией. Но под пасторальной наружностью его искусство отражает тревогу художника и глубоко подавленного гея на Среднем Западе 1930-х годов», — говорят кураторы выставки о картинах Вуда. Загадочные портреты и пейзажи сельской Америки — в картинах внизу текста.

От меня : я бы ему за это "искусство" не только ухо отрезала )))

Простите меня ,ценители прекрасного !

Метки: сша, искусство, картины, АЯТ, Вуд
 
11:20 26.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)
-->

Киноискусство

Жанры киноискусства

Строго говоря, в кино нет единого общепринятого набора жанров (как, например, в живописи), покоторому можно было бы точно классифицировать все кинофильмы. Кроме того, большинствохудожественных кинофильмов можно смело отнести к более чем одному жанру. Поэтому говорить онижеприведённой системе жанров художественного кино можно лишь с большой долей условности. Эта система скорее была сформирована самими зрителями на основе личных впечатлений, чемкиноведами в рамках научных исследований. Но, тем не менее, эта система широко распространена и, в определённой мере, общепринята.

  • Боевикэтот жанр иллюстрирует известный тезис «добро должно быть с кулаками». Фильмы этогожанра зачастую не обладают сложным сюжетом. Главный герой обычно сталкивается со злом в самомочевидном его проявлении: преступление, коррупция, терроризм, убийство. Не находя иного выхода, главный герой решает прибегнуть к насилию. В результате уничтожению подвергаются десятки, аиногда и сотни злодеев. «Хэппи энд» (англ. happy endсчастливый конец) — непременный атрибутбоевика, зло должно быть наказано.
  • Вестернв классических фильмах этого жанра действие происходит на Диком Западе Америки в XIXвеке. Конфликт обычно разворачивается между бандой преступников, представителями властей иохотниками за наградой (англ. bounty hunter). Как и в обычном боевике, конфликт разрешаетсянасилием со стрельбой. Вестерны пропитаны атмосферой свободы и независимости, характерной длязапада Соединённых Штатов.
  • Гангстерский фильмдействие фильмов этого поджанра зачастую происходит в США в 1930-егодыво время расцвета гангстерских группировок. «Разборки» между гангстерами и являютсяосновой сюжета таких фильмов.
  • Детективный фильмжанр, произведения которого неизменно содержат иллюстрации преступныхдеяний, следующего за ними расследования и определения виновных. У зрителя, как правило, возникает желание провести собственное расследование и выдвинуть собственную версиюпреступления.
  • Карате-фильмфильмы этого поджанра сюжетно мало отличаются от обыкновенных фильмов жанраэкшен. Но в противостоянии персонажей карате-фильмов упор делается не на применениеогнестрельного оружия, а на рукопашные схватки с применением приёмов восточных единоборств.
  • Драмаспецифику жанра составляют сюжетность, конфликтность действия, обилие диалогов имонологов. Драмы изображают в основном частную жизнь человека и его острый конфликт собществом. При этом акцент часто делается на общечеловеческих противоречиях, воплощённых вповедении и поступках конкретных героев фильма.
    • Трагедиянаверняка театральную трагедию не следует рассматривать
Метки: АЯТ, жанры, киноискусство
 
10:36 24.03.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Муррина

Муррина это специальная техника изготовления художественного стекла. Берутся разноцветные стержни (собственно, нити, поскольку диаметр измеряется миллиметрами), и из них собирается пучок, который на срезе имеет нужную картинку. Потом этот пучок спекается так, что получается этакая стеклянная буханка или колбаса. После этого эту буханку достаточно разрезать на куски поперек, что бы получить нужную картину. Иногда полученные куски еще раз нагреваются и из них формируют разные изделия:
Муррина (2 фото)

Наиболее впечатляющих результатов добился, пожалуй, Лорен Стамп (Loren Stump). На фото, в начале — созданная им "буханка" с картиной "Мадонна в Скалах" Леонардо на срезе.

Муррина (2 фото)

Метки: техника, стекло, АЯТ, изделия
 
22:26 19.03.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Балет.Петипа

Матильда Кшесинская (справа) и Николай Солянников (слева) в балете Мариуса Петипа «Пробуждение Флоры»

«Окончательно исчез наш прекрасный балет, — писала "Северная пчела" в январе 1847 года. — Материально он еще существует. Есть прелестные танцовщицы, искусные танцоры, удивительный кордебалет, есть ежедневно распускающийся рассадник самых редких дарований; нет только в публике охоты смотреть на них. Единственным средством к возбуждению этой охоты было бы, может быть, сочинение новых, занимательных балетов, но для этого нужен новый Дидло, новый Прометей, новый гениальный хореограф, а теперь такого, кажется, нет во всей Европе».

До прибытия Мариуса Петипа в Петербург оставалось полгода.

Он еще только собирался в Россию. 28 лет, в долгах как в шелках, плюс проблемы с испанской и французской полицией. Работая до того в Мадриде и давая частные уроки танцев в одном благородном семействе, он закрутил роман с юной девицей; за матерью той девицы ухаживал французский посольский чиновник, быстро решивший, что Петипа посягает именно на его сокровище. Дуэль на пистолетах, раздробленная челюсть противника — и необходимость быстро убираться из Мадрида.

Вся предыдущая жизнь Петипа была жизнью бродячего человека театра: он, можно сказать, родился в кулисах. Отец — танцовщик, мать — актриса; старший брат стал танцовщиком, сестра актрисой. На свет Мариус Петипа появился в Марселе, затем семейство переехало в Брюссель, где наш герой впервые вышел на сцену (ему было пять лет). Никакого академического образования — Мариуса учил отец, и правильной постановке рук способствовали удары скрипичным смычком (в давние времена балетный класс шел под скрипку, а не под фортепиано). Смычки периодически ломались, мальчишка злился и заявлял, что не хочет заниматься танцами, ибо не мужское это занятие. Но тут вступала мать — она уговаривала ребенка терпеть и работать, и ребенок ее слушался. Семья кочевала: из Брюсселя в Антверпен, оттуда в Бордо. Когда Мариусу исполнилось девятнадцать, он получил собственный контракт в Нанте. Там он дебютировал как хореограф (получая 10 франков авторских за каждый спектакль), затем вернулся в Бордо уже как премьер, потом уехал в Испанию, где имел большой успех... И вот из Испании пришлось убегать как можно быстрее, пересекая границу под вымышленным именем. Контракт танцовщика, предложенный ему директором Императорских театров Гедеоновым (Дирекция постоянно искала таланты за рубежом), был как нельзя кстати. Петипа приехал в Россию. Бродячая жизнь закончилась. Следующие шестьдесят с лишним лет он будет принадлежать Петербургу.

Дебютировав в сентябре 1847 года сразу как танцовщик и как постановщик в «Пахите» (на спектакле был Николай I, одаривший нового артиста своего театра перстнем с восемнадцатью бриллиантами), Петипа работал чрезвычайно много. Он поставил в России более ста балетов — и вообще-то именно он создал тот «большой стиль», ту «большую классику», что ныне считается фундаментом русского классического балета.

«Лебединое озеро» первым поставил не он — мировая премьера была в Москве в 1877 году, спектакль выпускал хореограф Вацлав Рейзингер, и балет успеха не имел. То «Лебединое озеро», что сейчас известно всему свету, появилось лишь в 1895 году — и сделал его Петипа вместе со Львом Ивановым. Последний ставил сцены с белыми лебедями, Петипа — всю историю с лебедью черной. Зато «Спящая красавица» (премьера в 1890-м) принадлежала ему с первого такта. Он расписывал Чайковскому, сколько минут музыки нужно для того или другого танца, и гениальный композитор послушно работал по этой схеме. «Раймонда» (1898) предсказала поворот балета к мирискусническим красотам; менее всего известная широкой публике из «мировых балетов» и самая захватывающая сюжетно «Баядерка» (1878) поражает воображение контрастом буйных красок Индии и строгостью прозрачных привидений в акте «Теней». Шестьдесят лет работы Петипа — это эволюция балетной техники, фантастическое мастерство построения больших сцен (он мог и двести человек на сцену выпустить — и всем работа находилась), бешено работающая фантазия и прекрасное понимание того, что есть балетный человек. Он любил своих балерин и периодически разрешал им в своих балетах менять па на те, что они считали более выгодными для себя. Он сочинял балеты так, чтобы они были не только красивы, но и удобны для исполнения.

За долгую жизнь ему пришлось работать с разными начальниками (директорами Императорских театров), начиная с Александра Гедеонова, который в середине XIX века поразил его своей щедростью. Когда нищий Петипа в конце сезона прибыл в Петербург, ему выдали немалый аванс и четыре месяца платили зарплату просто так, пока не открылся сезон; хореограф все вспоминал, как в Нанте ему даже больничный со сломанной ногой пришлось выторговывать хитростью. И завершал свою работу Петипа с Владимиром Теляковским, который в начале ХХ века считал, что Петипа устарел и чем скорее удастся сдвинуть его в отставку, тем лучше. Своего добился, старик ушел в отставку, уехал в Гурзуф и там доживал последние годы. Большого прогресса в подведомственном двору балете после этого не случилось. Петипа яростно ревновал к поднимающейся славе Александра Горского (дирекция командировала того в Москву переносить балеты Петипа в Большой, а молодой хореограф не перенес, но основательно переделал «Дон Кихота» — и переделал так эффектно, что после и в Мариинском театре взяли его редакцию; подлинного спектакля Петипа не сохранилось, сейчас его пробуют восстанавливать балетмейстеры-реставраторы).

Он знал силу печатного слова; он придумывал о себе легенды; он вполне понимал, что такое театральная интрига, и мог ее ловко провернуть. Обе его жены — Мария Суровщикова и, после смерти первой, Любовь Савицкая — были танцовщицами; все его дети пошли служить в театр (сыновья — в драматический, дочери — в балетный). Он, принявший русское подданство только в 1894 году, собственно говоря, и являл собой русский балет — величественный, изобретательный, обидчивый и пылкий. Неудивительно, что ему часто приписывают вообще все старинные балеты — например, «Щелкунчик», который целиком поставил Лев Иванов. И естественно, что осваивающие наше национальное искусство зарубежные артисты периодически «крестят» его именем даже сочинения советских авторов. Поэт — Пушкин, фрукт — яблоко, балет — Петипа. И не поспоришь.

Метки: искусство, балет, АЯТ, Петипа
 
11:37 15.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бумажное кружево индийского художника

Бумажное кружево индийского художника

Метки: искусство, бумага, АЯТ, ножницы, художество
 
19:48 12.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пейзажи нитками

Художники по вышивке некоторое время назад стали весьма творчески подходить к этому виду рукоделия, в чём мы не раз убеждались. В то время как одни являются приверженцами традиционной вышивки, создавая простые узоры, другие используют нить вместо кисти, вышивая выразительные текстуры и живописно сочетая цвета.



Одним из таких художников является рукодельница Вера Шимуня из Санкт-Петербурга, которая с помощью ниток и пяльцев создаёт великолепные пейзажи. В некоторых из последних работ художница даже объединяет текстильное искусство с фотографией, создавая потрясающие сюрреалистические пейзажи, состоящие наполовину из фотографии, наполовину из вышивки.


















Метки: творчество, искусство, рукоделие, вышивка, АЯТ
 
19:02 11.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Невероятно красивые платья, которые будто сошли со страниц каких-то сказок

Представляем вам талантливого модельера из Франции Сильви Факон. Она создаёт невероятно красивые платья, которые станут украшением любого модного показа. Сильви много внимания уделяет тканям и продумывает каждую деталь своего творения. Одну из моделей, вдохновляясь стилем стимпанк, она разработала в тандеме с дизайнером костюмов Морганом Э.Гросдендангом. Её платья отличаются изысканностью, оригинальностью и невероятной женственностью, и порой кажется, что они сошли со страниц каких-то сказок

Платья с сюжетами старого города

Платье с настоящими книжными страничками и переплётами

Платье-скрипка со страничками из нотной тетради

Платья с цветочными мотивами

Сказочное грибное платье

Платье по мотивам иллюстрации Дидье Граффе

Метки: шитьё, фантазия, моделирование, АЯТ, искусство дизайна
 
15:21 08.03.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Рисунки на камнях

Художник из Москвы Инна Кондратенко, которая творит под псевдонимом In.K.Stones, обратила внимание на то, что некоторые камни имеют сходство с животными. Она создаёт живописные 3D-миниатюры, стараясь передать характер каждого существа. Художница считает, что жители больших городов зачастую обделены контактом с природой, поэтому своим творчеством она хочет доставить им радость и приятные эмоции.



















Метки: животные, рисунки, искусство, камни, АЯТ
 
10:57 02.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство дизайна интерьера

Сегодня существует огромное разнообразие стилей, в которых можно выполнить интерьер. Часть из них имеет глубокие корни и насчитывает не одну сотню лет. Другие же сформировались относительно недавно и все еще набирают популярность. Мы остановимся на самых популярных стилях, в которых оформляются интерьеры сегодня. Все они обладают достаточно разными характеристиками, выполняются в различных цветовых гаммах и с помощью разных материалов. Но перед тем, как оформлять свою квартиру, стоит все же узнать, какие возможные варианты интерьеров существуют и найти то, что вам ближе всего.

Минимализм

Всем известно, что характеристиками этого стиля являются точность, простота и некоторая строгость. В интерьерах вы вряд ли увидите огромную палитру разных оттенков, роскошные предметы мебели или никому ненужные безделушки. Наоборот – только самое необходимое и простое. Пространство должно быть свободным и светлым, цвета – нейтральными, а мебель и элементы декора – выполнены в простых геометрических формах и с плоскими поверхностями. И все это в совокупности должно создать ощущение невесомости. Основными материалами обычно являются сталь, стекло, пластик, керамика, камень или дерево.

sovremennyj-minimalizm9

Лофт

Этот стиль зародился в 40-е годы прошлого века в Нью-Йорке. Тогда стало популярным использовать заброшенные мануфактуры в качестве жилья. Отсюда следует главная отличительная черта лофта – огромные открытые пространства, которые каким-то образом напоминают о своем прошлом. Этими проявлениями могут послужить кирпичные стены, потолочные балки или же оставшиеся трубы, лестницы, остатки вентиляции. Для зонирования этих пространств обычно используют перегородки или передвижные стеллажи. И то, отделять принято только санузел, кухню и спальню. Все остальное место можно украсить мягкими пуфами, большими вазами и самой современной техникой. Окна должны быть большими, потолки – высокими, иначе это будет уже не настоящий лофт.

loft

КантриМодные тренды 2017 года в дизайне интерьера

Дословно название этого стиля переводится как "деревенский". При этом в каждой стране он имеет свои особенности, так как является имитацией сельской жизни, которая в каждом регионе отличается. Характеризуют этот стиль повышенная комфортность, простота и практичность. Появился он в США в 70-е годы, когда в больших городах люди хотели большего уединения и близости с природой. В основном для оформления помещения в стиле кантри используются натуральные материалы и естественные цвета. Обязательно должно быть много различных уютных мелочей − горшочков с цветами, аксессуаров из текстиля. Материалы и ткани зачастую либо совсем не обрабатываются, либо обрабатываются так, что все равно сохраняют грубую структуру "под естественность".

traditional-living-room-1

Контемпорари

В этом стиле на первом плане стоит удобство и доступность, поэтому для таких интерьеров обычно используются предметы массового производства. По большей части этот стиль оформляется за счет мебели, которая должна быть нейтральной, а ваша главная задача – обыграть ее. Здесь возможно вкрапление этнических или классических элементов. Яркими примерами деталей такого стиля являются всем нам знакомые с советских времен раскладные столы, этажерки, кровати-трансформеры, вместительные шкафы и комоды, а также ковры и люстры. Просто и удобно.

Contemporary interior

Эко стиль

Этот стиль также появился в конце прошлого века как желание человека наиболее благоразумно распорядиться прогрессивными технологиями, направив их на благо собственного здоровья и окружающей среды. Естественно, что в таком интерьере все должно быть выполнено только их натуральных материалов. При этом в комнате должно быть максимум света и зелени. Оформляют эко жилье в природных однотонных цветах, среди которых зеленый, голубой, белый, песочный, коричневый.

eco interior

Хай-тек

Дословно переводится как высокотехнологичный стиль. Считается одним из самых современных, но возник он около 80-х годов XX века, навеянный мотивами промышленных помещений. Именно поэтому все выполнено из стекла, металла, дерева и пластика. Отличительной чертой хай-тека является прагматизм, поэтому пространство используется с максимальной функциональностью и минимумом декора. Цветовые решения для этого стиля ограничиваются монохромной гаммой. И также стоит сказать, что как никуда лучше сюда вписывается самая современная бытовая электроника.

high tech interior

Техно

Этот стиль появился также в 80-е годы 20 века, но уже как последствие бурного развития информационных технологий. Как и для хай-тека, техно стилю характерно много металла и пластика. Но тут особое внимание уделяется строгой геометрии пространства и вообще всех предметов, а также освещению. Для такого интерьера привычными являются различные технические детали, в том числе и провода, а мебель сама по себе напоминает оборудование, так как в большинстве случаев выполнена их металлических листов.

techno-interior

Фьюжн

Если Вы хотите быть абсолютно свободными в выборе подходящих материалов для вашей комнаты, то этот стиль именно для вас. Здесь нет каких-либо стандартов или стереотипов. Можно размещать абсолютно разные вещи, смешивать разные стили, добавлять в интерьер любое количество декора, экспериментировать с цветовой палитрой. Но главное – во всем знать меру и найти гармонию. Тогда у вас получится смелый интерьер, лишенный жесткой определенности.

Ну, а мне больше по душе вот такая обстановка в кухне,например...

Метки: дизайн, интерьер
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Олексій Альошин
Войти
ONLINE.UA
Подписывайтесь, если вы настоящий ценитель
ONLINE.UA!
ДОБАВИТЬ В ЗАКЛАДКИ
Спасибо, но больше не показывайте мне это окно!