13:11 21.01.2019
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Взлёт и падение Ореста Кипренского: За что автора лучшего портрета Пушкина забрасывали камнями и кто его спас

Орест Адамович Кипренский.

Орест Адамович Кипренский.


Ореста Кипренского с радостью принимали в домах знати не только в России, но ещё во Франции и Италии. Его талант получил признание в Европе и, казалось, ничто не может помешать его восхождению к славе и богатству. Однако трагическая случайность в один момент разрушила все его надежды и чаяния. Оресту Кипренскому пришлось снова шаг за шагом доказывать свою значимость у себя на родине и за границей.

На пути к славе

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru



Родителями Кипренского были записаны крепостные Анна Гаврилова и её супруг Адам Швальбе, однако тот факт, что Орест является незаконнорождённым сыном помещика Дьяконова, скрыть не удалось. Впрочем, сам Алексей Дьяконов и дал сыну вольную, едва тот достиг возраста 6 лет.
В это же время при покровительстве Дьяконова Ореста Кипренского определили в училище при Академии художеств. Здесь детям давали базовые знания по всем предметам, учили языкам, а ещё давали возможность постичь азы рисования. В возрасте 15 лет в 1797 году Орест стал студентом Академии художеств, особое внимание уделяя портретной и исторической живописи. Наставниками Кипренского стали Угрюмов и Дуайен.

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru



ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Незаконнорожденные гении: Русские классики, которые не имели права носить фамилии своих настоящих отцов >>

Юноша уже в начале обучения снискал славу талантливого и усердного ученика, неоднократно получал награды Академии. Лучший ученик Академии по окончании учебного заведения мог претендовать на так называемую пенсионерскую поездку в Европу для совершенствования своего художественного мастерства. Несмотря на то, что Орест Кипренский был одним из лучший, по окончании Академии выиграть поездку ему не удалось.

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru



Молодой художник не стал впадать в отчаяние. Директор Академии пошёл навстречу талантливому студенту и его покровителю Алексею Строганову и позволил Кипренскому учиться в Академии дальше, на протяжении ещё трёх лет.

Уже через год, в 1804 году художник впервые принял участие в выставке Академии с портретом своего официального отца Абрама Швальбе. А уже в 1805 году для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии Кипренский представил картину «Дмитрий Донской на Куликовом поле». В этот раз удача была на его стороне, и он получил право на пенсионерскую поездку в Европу. Правда, она была отложена из-за наполеоновских войн.

Убийство в доме Кипренского

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru



В долгожданную творческую поездку по Европе художник отправился лишь в 1816 году, успев до этого снискать на родине славу одного из самых талантливых портретистов. Пенсионерская поездка состоялась во многом благодаря покровительству императрицы Елизаветы Алексеевны, по достоинству оценившей художественный талант мастера.

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru



Художник побывал сначала в Германии, затем отправился в Рим, где не только изучал итальянское искусство, но и продолжал писать. Портреты и исторические картины Кипренского обратили на него внимание Флорентийской академии и вскоре живописец получил предложение написать свой портрет для галереи Уффицы, где выставлялись автопортреты самых знаменитых художников. Это было безоговорочное признание, ведь Кипренский был одним из первых русских живописцев, удостоенных такой чести.

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru



Примерно в то же время он написал портрет «Девочка в маковом венке», для которого ему позировала Анна-Мария Фалькуччи. В разных источниках история маленькой натурщицы представляется по-разному. В одних девочку называют дочерью взрослой натурщицы художника, в других указывают: малышку к художнику привела совсем другая женщина.

Кипренский проникся почти отцовскими чувствами к маленькой итальянке и был всерьёз обеспокоен её судьбой. Трагические события, произошедшие в доме живописца, круто изменили судьбу и самого Ореста Адамовича, и его маленькой воспитанницы.

 Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru



В один из дней была жестоко убита натурщица художника. Её замотали в холст и попросту подожгли. Орест Кипренский считал убийцей женщины своего слугу, который скончался спустя несколько дней после убийства. Однако ходили упорные слухи о том, что к смерти натурщицы причастен сам художник.

Жизнь Кипренского в Риме стала невыносимой. Стоило выйти ему из дома, как уличные мальчишки начинали забрасывать его камнями, а двери всех домов захлопнулись перед художником.

Возрождение

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net



Орест Кипренский не оставил без внимания свою маленькую воспитанницу, даже покинув Италию. Перед отъездом он смог определить девочку на воспитание в пансион при монастыре, полностью оплатив её содержание, при этом настоящая мать девочки всячески тому препятствовала, пытаясь шантажировать художника.

Кипренскому удалось добиться лишения матери родительских прав, а итальянские власти, дабы не провоцировать новые скандалы вокруг данной ситуации, сами выбрали монастырь для содержания Мариуччи, как её называли.

 Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru

Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru



Слухи об убийстве в доме Кипренского в Риме тем временем докатились и до России, а потому родина встретила художника неласково. Перед возвращением живописец побывал в Париже, а затем прибыл в Россию.

Орест Кипренский. «Портрет А.С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Портрет А. С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru



Здесь, благодаря участию графа Шереметева, Орест Кипренский вновь взялся за кисть. Для него оборудовали мастерскую во дворце Дмитрия Шереметева, и он стал личным живописцем графа.
Со временем о трагедии в Италии забыли, Кипренский стал получать заказы на написание портретов. В 1827 году он написал портрет Александра Пушкина, который стал самым известным и распространённым изображением поэта. При этом гений русской поэзии был весьма капризным заказчиком, но портретом кисти Кипренского откровенно восхищался.

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru



А в 1828 году художник навсегда оставил свою родину, отправившись в любимую ним Италию. Прошло немало лет, прежде чем ему удалось разыскать свою бывшую воспитанницу. Когда же они встретились, то оба разрыдались от избытка чувств и радости встречи. Вскоре Кипренский женился на 25-летней Анне-Марии Фалькуччи, приняв для этого католичество. А спустя три месяца он скончался от воспаления лёгких.



В 1792 г. была опубликована сентиментальная повесть Н. Карамзина «Бедная Лиза», а спустя 35 лет художник Орест Кипренский написал одноименную картину на сюжет этого произведения. В его основу легла трагическая история юной крестьянской девушки, соблазненной дворянином и брошенной им, в результате чего она покончила с собой. Слова Карамзина «И крестьянки любить умеют» многие считали ключевой фразой, объясняющей замысел картины Кипренского. Однако у художника были и глубоко личные мотивы, заставившие его обратиться к этой теме.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/180119/41982/

 
13:08 21.01.2019
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Взлёт и падение Ореста Кипренского: За что автора лучшего портрета Пушкина забрасывали камнями и кто его спас

Орест Адамович Кипренский.

Орест Адамович Кипренский.


Ореста Кипренского с радостью принимали в домах знати не только в России, но ещё во Франции и Италии. Его талант получил признание в Европе и, казалось, ничто не может помешать его восхождению к славе и богатству. Однако трагическая случайность в один момент разрушила все его надежды и чаяния. Оресту Кипренскому пришлось снова шаг за шагом доказывать свою значимость у себя на родине и за границей.

На пути к славе

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru



Родителями Кипренского были записаны крепостные Анна Гаврилова и её супруг Адам Швальбе, однако тот факт, что Орест является незаконнорождённым сыном помещика Дьяконова, скрыть не удалось. Впрочем, сам Алексей Дьяконов и дал сыну вольную, едва тот достиг возраста 6 лет.
В это же время при покровительстве Дьяконова Ореста Кипренского определили в училище при Академии художеств. Здесь детям давали базовые знания по всем предметам, учили языкам, а ещё давали возможность постичь азы рисования. В возрасте 15 лет в 1797 году Орест стал студентом Академии художеств, особое внимание уделяя портретной и исторической живописи. Наставниками Кипренского стали Угрюмов и Дуайен.

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru



ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Незаконнорожденные гении: Русские классики, которые не имели права носить фамилии своих настоящих отцов >>

Юноша уже в начале обучения снискал славу талантливого и усердного ученика, неоднократно получал награды Академии. Лучший ученик Академии по окончании учебного заведения мог претендовать на так называемую пенсионерскую поездку в Европу для совершенствования своего художественного мастерства. Несмотря на то, что Орест Кипренский был одним из лучший, по окончании Академии выиграть поездку ему не удалось.

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru



Молодой художник не стал впадать в отчаяние. Директор Академии пошёл навстречу талантливому студенту и его покровителю Алексею Строганову и позволил Кипренскому учиться в Академии дальше, на протяжении ещё трёх лет.

Уже через год, в 1804 году художник впервые принял участие в выставке Академии с портретом своего официального отца Абрама Швальбе. А уже в 1805 году для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии Кипренский представил картину «Дмитрий Донской на Куликовом поле». В этот раз удача была на его стороне, и он получил право на пенсионерскую поездку в Европу. Правда, она была отложена из-за наполеоновских войн.

Убийство в доме Кипренского

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru



В долгожданную творческую поездку по Европе художник отправился лишь в 1816 году, успев до этого снискать на родине славу одного из самых талантливых портретистов. Пенсионерская поездка состоялась во многом благодаря покровительству императрицы Елизаветы Алексеевны, по достоинству оценившей художественный талант мастера.

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru



Художник побывал сначала в Германии, затем отправился в Рим, где не только изучал итальянское искусство, но и продолжал писать. Портреты и исторические картины Кипренского обратили на него внимание Флорентийской академии и вскоре живописец получил предложение написать свой портрет для галереи Уффицы, где выставлялись автопортреты самых знаменитых художников. Это было безоговорочное признание, ведь Кипренский был одним из первых русских живописцев, удостоенных такой чести.

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru



Примерно в то же время он написал портрет «Девочка в маковом венке», для которого ему позировала Анна-Мария Фалькуччи. В разных источниках история маленькой натурщицы представляется по-разному. В одних девочку называют дочерью взрослой натурщицы художника, в других указывают: малышку к художнику привела совсем другая женщина.

Кипренский проникся почти отцовскими чувствами к маленькой итальянке и был всерьёз обеспокоен её судьбой. Трагические события, произошедшие в доме живописца, круто изменили судьбу и самого Ореста Адамовича, и его маленькой воспитанницы.

 Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru



В один из дней была жестоко убита натурщица художника. Её замотали в холст и попросту подожгли. Орест Кипренский считал убийцей женщины своего слугу, который скончался спустя несколько дней после убийства. Однако ходили упорные слухи о том, что к смерти натурщицы причастен сам художник.

Жизнь Кипренского в Риме стала невыносимой. Стоило выйти ему из дома, как уличные мальчишки начинали забрасывать его камнями, а двери всех домов захлопнулись перед художником.

Возрождение

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net



Орест Кипренский не оставил без внимания свою маленькую воспитанницу, даже покинув Италию. Перед отъездом он смог определить девочку на воспитание в пансион при монастыре, полностью оплатив её содержание, при этом настоящая мать девочки всячески тому препятствовала, пытаясь шантажировать художника.

Кипренскому удалось добиться лишения матери родительских прав, а итальянские власти, дабы не провоцировать новые скандалы вокруг данной ситуации, сами выбрали монастырь для содержания Мариуччи, как её называли.

 Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru

Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru



Слухи об убийстве в доме Кипренского в Риме тем временем докатились и до России, а потому родина встретила художника неласково. Перед возвращением живописец побывал в Париже, а затем прибыл в Россию.

Орест Кипренский. «Портрет А.С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Портрет А. С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru



Здесь, благодаря участию графа Шереметева, Орест Кипренский вновь взялся за кисть. Для него оборудовали мастерскую во дворце Дмитрия Шереметева, и он стал личным живописцем графа.
Со временем о трагедии в Италии забыли, Кипренский стал получать заказы на написание портретов. В 1827 году он написал портрет Александра Пушкина, который стал самым известным и распространённым изображением поэта. При этом гений русской поэзии был весьма капризным заказчиком, но портретом кисти Кипренского откровенно восхищался.

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru



А в 1828 году художник навсегда оставил свою родину, отправившись в любимую ним Италию. Прошло немало лет, прежде чем ему удалось разыскать свою бывшую воспитанницу. Когда же они встретились, то оба разрыдались от избытка чувств и радости встречи. Вскоре Кипренский женился на 25-летней Анне-Марии Фалькуччи, приняв для этого католичество. А спустя три месяца он скончался от воспаления лёгких.



В 1792 г. была опубликована сентиментальная повесть Н. Карамзина «Бедная Лиза», а спустя 35 лет художник Орест Кипренский написал одноименную картину на сюжет этого произведения. В его основу легла трагическая история юной крестьянской девушки, соблазненной дворянином и брошенной им, в результате чего она покончила с собой. Слова Карамзина «И крестьянки любить умеют» многие считали ключевой фразой, объясняющей замысел картины Кипренского. Однако у художника были и глубоко личные мотивы, заставившие его обратиться к этой теме.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/180119/41982/

 
13:06 21.01.2019
Галина Костюченко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Взлёт и падение Ореста Кипренского: За что автора лучшего портрета Пушкина забрасывали камнями и кто его спас

Орест Адамович Кипренский.

Орест Адамович Кипренский.


Ореста Кипренского с радостью принимали в домах знати не только в России, но ещё во Франции и Италии. Его талант получил признание в Европе и, казалось, ничто не может помешать его восхождению к славе и богатству. Однако трагическая случайность в один момент разрушила все его надежды и чаяния. Оресту Кипренскому пришлось снова шаг за шагом доказывать свою значимость у себя на родине и за границей.

На пути к славе

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. Автопортрет, 1820 год. / Фото: www.artchive.ru



Родителями Кипренского были записаны крепостные Анна Гаврилова и её супруг Адам Швальбе, однако тот факт, что Орест является незаконнорождённым сыном помещика Дьяконова, скрыть не удалось. Впрочем, сам Алексей Дьяконов и дал сыну вольную, едва тот достиг возраста 6 лет.
В это же время при покровительстве Дьяконова Ореста Кипренского определили в училище при Академии художеств. Здесь детям давали базовые знания по всем предметам, учили языкам, а ещё давали возможность постичь азы рисования. В возрасте 15 лет в 1797 году Орест стал студентом Академии художеств, особое внимание уделяя портретной и исторической живописи. Наставниками Кипренского стали Угрюмов и Дуайен.

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru

«Портрет отца художника Адама Карловича Швальбе», 1804. / Фото: www.liveinternet.ru



ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Незаконнорожденные гении: Русские классики, которые не имели права носить фамилии своих настоящих отцов >>

Юноша уже в начале обучения снискал славу талантливого и усердного ученика, неоднократно получал награды Академии. Лучший ученик Академии по окончании учебного заведения мог претендовать на так называемую пенсионерскую поездку в Европу для совершенствования своего художественного мастерства. Несмотря на то, что Орест Кипренский был одним из лучший, по окончании Академии выиграть поездку ему не удалось.

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru

«Дмитрий Донской на Куликовом поле», 1805. / Фото: www.liveinternet.ru



Молодой художник не стал впадать в отчаяние. Директор Академии пошёл навстречу талантливому студенту и его покровителю Алексею Строганову и позволил Кипренскому учиться в Академии дальше, на протяжении ещё трёх лет.

Уже через год, в 1804 году художник впервые принял участие в выставке Академии с портретом своего официального отца Абрама Швальбе. А уже в 1805 году для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии Кипренский представил картину «Дмитрий Донской на Куликовом поле». В этот раз удача была на его стороне, и он получил право на пенсионерскую поездку в Европу. Правда, она была отложена из-за наполеоновских войн.

Убийство в доме Кипренского

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет с кистями за ухом». / Фото: www.artchive.ru



В долгожданную творческую поездку по Европе художник отправился лишь в 1816 году, успев до этого снискать на родине славу одного из самых талантливых портретистов. Пенсионерская поездка состоялась во многом благодаря покровительству императрицы Елизаветы Алексеевны, по достоинству оценившей художественный талант мастера.

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru

«Мать с ребенком» (Портрет г-жи Прейс), 1809. / Фото: www.liveinternet.ru



Художник побывал сначала в Германии, затем отправился в Рим, где не только изучал итальянское искусство, но и продолжал писать. Портреты и исторические картины Кипренского обратили на него внимание Флорентийской академии и вскоре живописец получил предложение написать свой портрет для галереи Уффицы, где выставлялись автопортреты самых знаменитых художников. Это было безоговорочное признание, ведь Кипренский был одним из первых русских живописцев, удостоенных такой чести.

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru

«Девочка в маковом венке». / Фото: www.artchive.ru



Примерно в то же время он написал портрет «Девочка в маковом венке», для которого ему позировала Анна-Мария Фалькуччи. В разных источниках история маленькой натурщицы представляется по-разному. В одних девочку называют дочерью взрослой натурщицы художника, в других указывают: малышку к художнику привела совсем другая женщина.

Кипренский проникся почти отцовскими чувствами к маленькой итальянке и был всерьёз обеспокоен её судьбой. Трагические события, произошедшие в доме живописца, круто изменили судьбу и самого Ореста Адамовича, и его маленькой воспитанницы.

 Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Молодой садовник». / Фото: www.artchive.ru



В один из дней была жестоко убита натурщица художника. Её замотали в холст и попросту подожгли. Орест Кипренский считал убийцей женщины своего слугу, который скончался спустя несколько дней после убийства. Однако ходили упорные слухи о том, что к смерти натурщицы причастен сам художник.

Жизнь Кипренского в Риме стала невыносимой. Стоило выйти ему из дома, как уличные мальчишки начинали забрасывать его камнями, а двери всех домов захлопнулись перед художником.

Возрождение

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net

Орест Адамович Кипренский. «Автопортрет». / Фото: www.900igr.net



Орест Кипренский не оставил без внимания свою маленькую воспитанницу, даже покинув Италию. Перед отъездом он смог определить девочку на воспитание в пансион при монастыре, полностью оплатив её содержание, при этом настоящая мать девочки всячески тому препятствовала, пытаясь шантажировать художника.

Кипренскому удалось добиться лишения матери родительских прав, а итальянские власти, дабы не провоцировать новые скандалы вокруг данной ситуации, сами выбрали монастырь для содержания Мариуччи, как её называли.

 Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru

Орест Кипренский. «Читатели газет в Неаполе», 1831. / Фото: www.liveinternet.ru



Слухи об убийстве в доме Кипренского в Риме тем временем докатились и до России, а потому родина встретила художника неласково. Перед возвращением живописец побывал в Париже, а затем прибыл в Россию.

Орест Кипренский. «Портрет А.С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Портрет А. С. Пушкина». / Фото: www.artchive.ru



Здесь, благодаря участию графа Шереметева, Орест Кипренский вновь взялся за кисть. Для него оборудовали мастерскую во дворце Дмитрия Шереметева, и он стал личным живописцем графа.
Со временем о трагедии в Италии забыли, Кипренский стал получать заказы на написание портретов. В 1827 году он написал портрет Александра Пушкина, который стал самым известным и распространённым изображением поэта. При этом гений русской поэзии был весьма капризным заказчиком, но портретом кисти Кипренского откровенно восхищался.

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru

Орест Кипренский. «Бедная Лиза». На сюжет одноимённой повести Карамзина. 1827. / Фото: www.artchive.ru



А в 1828 году художник навсегда оставил свою родину, отправившись в любимую ним Италию. Прошло немало лет, прежде чем ему удалось разыскать свою бывшую воспитанницу. Когда же они встретились, то оба разрыдались от избытка чувств и радости встречи. Вскоре Кипренский женился на 25-летней Анне-Марии Фалькуччи, приняв для этого католичество. А спустя три месяца он скончался от воспаления лёгких.



В 1792 г. была опубликована сентиментальная повесть Н. Карамзина «Бедная Лиза», а спустя 35 лет художник Орест Кипренский написал одноименную картину на сюжет этого произведения. В его основу легла трагическая история юной крестьянской девушки, соблазненной дворянином и брошенной им, в результате чего она покончила с собой. Слова Карамзина «И крестьянки любить умеют» многие считали ключевой фразой, объясняющей замысел картины Кипренского. Однако у художника были и глубоко личные мотивы, заставившие его обратиться к этой теме.

 
17:50 20.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

. Женщина на табачных листьях...

...Известный кубинский художник Milton Bernal работает в уникальной смешанной технике – он пишет маслом по бумаге ручного литья и «инкрустирует» настоящими табачными листьями.

и.

Метки: искусство, АЯТ, Смешанная техника, табачные листья
 
12:51 19.01.2019
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картины из кофе от Карен Эланд

Многие художники во время своего творчества, несомненно, пьют кофе, подпитываясь от этого напитка бодростью и энергией. А когда ароматный кофе изготовлен по традиционному способу в хорошей кофемашине, которую, кстати, можно купить тут, это особенно вдохновляет на творчесткую деятельность. Так, Карен Эланд (Karen Eland)начала рисовать картины при помощи кофе! Взгляните на эти шикарные копии шедевров мировой живописи и поверьте, что при их создании художнице не понадобилась краска.

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)


Любовь к кофе родилась в одной из кофеен Нового Орлеана, куда Карен приходила ежедневно, чтобы делать эскизы портрета своего парня. Позднее художница сменила место жительства, переехав в город Талса (Оклахома), однако любовь к ароматному напитку осталась: Карен не могла отказать себе в удовольствии выпить чашечку эспрессо в Nordaggio’s Coffee. В конце концов, любовь к искусству и любовь к кофе стали настолько сильными, что Карен решила связать их воедино: так появилась идея писать картины с помощью кофе.

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)


«Впервые мне пришла в голову идея рисовать кофейные картины, когда в своей собственной чашке я увидела густой коричневый эспрессо. Поскольку я обожаю горячий латте, то я подумала – почему бы мне не вывести свою любовь к кофе на новый уровень? Я погрузила кисть в кофе и начала рисовать. К моей огромной радости все получилось прекрасно».

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)


Художница использует для создания своих картин эспрессо «прямо из кофеварки», хотя иногда дает напитку настояться несколько дней, чтобы получить более глубокие и темные тона. Среди произведений Карен много авторских версий картин признанных мировых мастеров. Это, к примеру, работы Матисса и Пикассо, Джоконда да Винчи и фрагмент росписи из Сикстинской капеллы… Работы Карен Эланд можно было бы назвать копиями, если бы не одно но: она не слепо копирует картины, а вносит во многие из них свой собственный небольшой штрих. Как вы думаете какой? Конечно же, чашечку горячего ароматного кофе.

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)


Процесс создания картин из кофе приятен во всех отношениях. Чаще всего Карен рисует в кофейнях, окруженная изысканным ароматом свежесваренного кофе и звуками приглушенных разговоров… «Эта обстановка является необычайно вдохновляющей», — утверждает художница и надеется, что каждая ее картина погрузит зрителя в ту же теплую атмосферу, в которой она создавалась.

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)

Картины из кофе от Карен Эланд (12 фото)
Метки: кофе, картины, АЯТ(искусство)
 
18:28 18.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Малевич и Маяковский

Начало Первой мировой войны было встречено с энтузиазмом практически во всех странах, её начавших. Почему-то все считали, что конфликт будет скоротечным и победоносным. Не стала исключением и Россия, в которой помочь «братьям-сербам» и преподать урок зарвавшимся германцам и австриякам желали многие, в том числе и деятели искусства.

Уже в августе 1914 года целый коллектив художников-авангардистов создал объединение «Сегодняшний лубок», которое поставило на поток производство плакатов и почтовых карточек, продолжавших традиции «старого» русского лубка — в технике нарочито примитивной раскрашенной гравюры, сопровождавшейся небольшим текстом в стихах. В объединение вошли художники со всемирно известными впоследствии именами — Казимир Малевич, Аристарх Лентулов, Давид Бурлюк, Илья Машков и другие. Большинство текстов для этих изображений написал Владимир Маяковский, который выступал также и в роли художника.

Владимир Маяковский (текст), Аристарх Лентулов (художник). «Казаки по опушке раскидали немцам пушки»

В скором времени шапкозакидательские настроения стихли — стало понятно, что война будет долгой и не такой красочной, как на картинках «Сегодняшнего лубка». Маяковский впоследствии писал, что деятельность объединения прекратилась уже к ноябрю из-за понимания «отвратительных ужасов войны», что впоследствии не помешало ему издавать знаменитые «Окна РОСТА». Возможно, поэт лукавил, и главную роль здесь сыграло то, что издатель и меценат Григорий Городецкий прекратил финансировать художников. Тем не менее несколько десятков ярких изображений с упоминанием основных событий начала первого мирового конфликта дошли до нас, оказавшись прекрасным памятником своей эпохе.

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Под Парижем на краю лупят армию мою»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Эх и грозно, эх и сильно жирный немец шёл на Вильно, да в бою у Осовца был острижен как овца»

Владимир Маяковский (текст), Аристарх Лентулов (художник). «Сдал австриец русским Львов»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Эх, султан – сидел бы в Порте. Дракой рыла не попорти!»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Подошёл колбасник к Лодзи – мы сказали: «Пан добродзи!..»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Ну и треск, да ну и гром же был от немцев подле Ломжи!»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Ты в Париж, а мы в Берлин»

Владимир Маяковский (художник и текст). «Австрияки у Карпат поднимали благой мат»

Владимир Маяковский (текст), Казимир Малевич (художник). «Немцы! Сильны хоша вы, а не видать вам Варшавы»

Метки: искусство, гравюры, АЯТ, лубок, художники-авангардисты, об"единение
 
13:49 16.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Вор по кличке Человек-паук совершил "ограбление века" в парижском музее.

Вьеран Томич в 2017 году
Pascal Vila / Sipa / Scanpix / LETA

В 2010 году 42-летний Вьеран Томич ограбил Музей современного искусства в Париже, украв оттуда картины Пикассо, Матисса, Модильяни, Леже и Брака общей стоимостью в десятки миллионов евро. Вора, которого в прессе стали называть «человеком-пауком», арестовали год спустя; он и его сообщники были осуждены, но местонахождение картин до сих пор неизвестно. Журнал The New Yorker подробно рассказал историю ограбления и биографию самого Томича — сына мигрантов из Боснии, который утверждает, что у него с искусством особые отношения.

Француз боснийского происхождения Вьеран Томич начал воровать еще в детстве. Он тренировался, прыгая по могилам на Пер-Лашез

Вьеран Томич родился в 1968 году в Париже в семье эмигрантов из Боснии. Из-за болезни матери его в младенчестве отправили к бабушке на родину родителей. Там, он по собственным словам, впервые стал проявлять дурные наклонности, засовывая шипы в обувь кузенов, а также начал заниматься своего рода паркуром — например, забираясь по каменному мосту через реку Неретву. В боснийском Мостаре он совершил первую кражу, проникнув через окно в библиотеку и забрав оттуда две старинных книги — впоследствии их вернул его брат.

В 11 лет Томич вернулся в Париж. Его родители постоянно ссорились; в дальнейшем в письмах подруге из тюрьмы он писал, что они «украли его жизнь», увезя его из Боснии. По собственным словам, Томич в юном возрасте заинтересовался рисованием, а в 16 лет увидел в Музее Оранжереи картины Ренуара — и остался под очень сильным впечатлением. Как рассказал Томич журналисту The New Yorker, он объявил родителям, что хочет стать художником, однако отец заявил, что это не настоящая работа.

После этого Томич стал думать о побеге из дома, пропускать школу и проводить с друзьями время на кладбище Пер-Лашез. Там они фактически занимались паркуром, прыгая со склепа на склеп. Компания заняла заброшенный дом неподалеку и жила за счет продажи стеклянных изделий, ворованных с местной фабрики. Томич с друзьями также стали забираться в квартиры и красть оттуда вещи.

Постепенно Вьеран Томич стал вором-одиночкой, обкрадывая квартиры в богатых районах Парижа и используя свои навыки в паркуре. Иногда он обследовал одну квартиру несколько раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет — одно преступление позволяло ему жить несколько месяцев на Лазурном берегу. Среди его жертв были известные люди — дизайнер Филипп Старк рассказал журналу, что проникся к «своему вору» (это был именно Томич) уважением из-за того, что он по сути прожил у него несколько дней дома, оставаясь незаметным.

The New Yorker отмечает, что в письмах из тюрьмы Томич указывает на свою способность хорошо действовать в стрессовых ситуациях и выходить сухим из воды. В действительности еще до ограбления 2010 года он несколько раз попадал в тюрьму — в том числе из-за импульсивности и невнимательности. Однажды, забыв бумажник и обнаружив, что у него нет денег на бензин, Томич ограбил булочную с помощью игрушечного пистолета и провел год в тюрьме.

В мае 2010 года Томич ограбил в Париже музей современного искусства. Он шел туда за одной картиной, а вынес пять

Чаще всего Томич крал драгоценности, однако иногда забирал из домов и живопись — если она ему очень нравилась. В 2000 году он украл из квартиры, в которой в это время спали хозяева, несколько картин, в том числе две работы Ренуара; пробрался он в квартиру, выстрелив из лука в окно и забравшись в него по веревке. Продать ценное произведение искусства на черном рынке сложно; самые любимые картины Томич, по собственным словам, держал у себя дома на стене. В письме автору статьи он написал, что некоторые картины могут производить на него очень сильное эмоциональное впечатление, уточнив, что в жизни не прочитал ни одной книги об искусстве. Подруга Томича пояснила The New Yorker, что он «подключается к энергии и вибрациям» произведения, и сравнила преступника с «шаманом».

Сбывать краденое Томичу помогал бизнесмен и владелец небольшой галереи Жан-Мишель Корве. Он дал грабителю список художников, работами которых интересуются покупатели, — речь шла в том числе о Модильяни, Моне, Шагале и Леже.

Две картины, украденных Томичем: «Натюрморт с подсвечниками» Фернана Леже и «Женщина с веером» Амедео Модильяни
Wikimedia Commons

В мае 2010 года Вьеран Томич заметил в окне дома на набережной Сены кубистское полотно. Дом оказался Музеем современного искусства в Париже — он расположен в восточном крыле Токийского дворца. Томич обратил внимание на конструкцию оконных рам — и понял, что уже успешно вскрывал такие окна и без труда заберется в здание. Исследовав музей внутри, он обнаружил, что там не работают некоторые датчики движения. В экспозиции была картина Фернана Леже «Натюрморт с подсвечниками», арендованная из другого музея и застрахованная на четыре миллиона евро. Томич встретился с Корве и тот предложил ему украсть полотно за 40 тысяч долларов. Вор согласился.

Подготовка к ограблению заняла шесть дней. Начиная с 14 мая, Томич по ночам выворачивал винты в одном из окон, заменяя их муляжами. Ночью 20 мая он наконец вынул окно, ненадолго залез внутрь и снова выбрался на улицу, проверяя сигнализацию. Поняв, что она не сработала, он вернулся в музей и нашел картину Леже, за которой пришел. Однако, как позже Томич рассказал журналисту The New Yorker, остановиться на этом он просто не мог — картины как будто сами манили его к себе. Внимание грабителя привлекли «Пастораль» Анри Матисса, «Женщина с веером» Модильяни, а также «Голубь с зеленым горошком» Пабло Пикассо и «Олива близ Эстака» Жоржа Брака.

Томич говорит, что чуть было не украл еще одну картину — «Женщину с голубыми глазами» Модильяни, — однако она якобы «сказала» ему, что он будет «жалеть до конца своих дней», если прикоснется к ней. Грабитель в два захода отнес картины в свою машину, а наутро отдал их на хранение Корве, получив от него 40 тысяч евро за Леже (партнеру грабителя не понравилось, что тот украл сразу пять дорогих картин, но он все равно забрал их). Вечером о крупнейшей за последние годы краже произведений искусства стали говорить во всех новостях — разумеется, происшествие назвали «ограблением века».

Вскоре Томича и его подельников арестовали, судили и посадили в тюрьму. Что стало с украденными картинами, достоверно неизвестно

Вскоре у полиции появился свидетель — скейтбордист, который видел подозрительного человека около музея за несколько дней до ограбления. Как следует из материала The New Yorker, в первые месяцы улик у следствия практически не было. Однако осенью имя Томича всплыло в другом расследовании об ограблении, и в ходе прослушки его телефонных разговоров полиция услышала его беспокойные рассуждения об ограблении музея. За ним начали следить — в декабре 2010-го полиция увидела, как Томич осматривает экстренные выходы парижского Центра Помпиду, а на следующий день покупает перчатки, клей и присоски. Автоответчик на телефоне Томича и вовсе сообщал, что к нему можно обратиться по поводу покупки пяти очень дорогих картин.

Полиция у Музея современного искусства в Париже после ограбления, 20 мая 2010 года.
Benoit Tessier / Reuters / Scanpix / LETA

Корве перестал выходить с Томичем на связь, чем вызвал у грабителя подозрения; когда они случайно встретились на вокзале, Корве, по воспоминаниям Томича, не смог внятно ответить ему на вопрос о судьбе картин. В дальнейшем Корве сообщил, что продал картину Леже — как выяснилось позже, покупатель действительно заплатил ему 80 тысяч за картину, однако через два дня, испугавшись, вернул полотно и не попросил деньги назад. Кроме того, партнер грабителя сказал, что нашел покупателя для Модильяни — им оказался 33-летний часовщик Джонатан Бирн. У него же якобы в тот момент хранились остальные украденные картины.

Как пишет The New Yorker, Корве и Бирн пытались продать картины; Бирн для этого даже ездил в Израиль (Корве говорил Томичу, что они нашли некоего «русского еврея, который может взять картины»). Чем закончились переговоры, в статье не сказано. Тем временем у Томича начали заканчиваться деньги — и он решил пойти на новое ограбление.

Обокрасть он собирался квартиру неподалеку от посольства Канады. По словам Томича, в мае 2011 года он залез туда около 15 раз, пытаясь найти наиболее ценный предмет, и в итоге взял картину Камиля Писсарро и коллекцию часов. После этого Томич был арестован — и на допросе сразу сознался в ограблении Музея современного искусства. Прокурору показалось, что Томич гордился своей работой.

Процесс широко освещался французской прессой — журналисты даже начали называть Томича «Человеком-пауком» из-за того, как он влезал на стены, чтобы обворовывать квартиры. На суде грабитель заявлял, что картины, которые он унес из музея, принадлежат ему — и подтверждал эту позицию в переписке с журналистом The New Yorker. В 2017 году его приговорили к восьми годам лишения свободы.

Где находятся картины сейчас, неизвестно. Джонатан Бирн, который вместе с Корве был осужден как соучастник преступления, заявил в суде, что полиция упустила их во время обыска у него дома, а он затем их якобы уничтожил. Многие — в том числе Томич — в эти утверждения не верят. Грабитель попытался выяснить у Бирна судьбу картин в тюрьме, в которой они находились одновременно, однако часовщик уклонялся от общения с ним и даже попросил охрану загородить стеклянную дверь в его камеру матрасом, чтобы Томич не мог его видеть.

На прямой вопрос журналиста, уничтожены ли картины, Томич ответил так. «Бирн любит картины больше всего на свете, он бы их как-то защитил, — написал грабитель. — Однажды ему придется отдать их тому, кому они принадлежат. То есть мне».

Метки: искусство, музей, ограбление, АЯТ
 
14:53 15.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Афродита" французского художника Вильяма Бугро (1825-1905)

У обычного художника Вы смотрите на красавицу.У Великого -она смотрит на Вас !!! «АФРОДИТА» Вильям Бугро (1825-1905)

Метки: портрет, АЯТ (Искусство), Бугро
 
20:49 14.01.2019
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Деревянные скульптуры

Николай Глеба в селе Кушница Закарпатской области – местная знаменитость: умельца знает вся округа. Он вырезает поразительные деревянные фигуры.

.

Метки: искусство, дерево, Резьба, АЯТ, народный умелец
 
21:31 13.01.2019
Тамара Ширнина опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Натюрморты Сесил Кеннеди

.Британский художник Сесил Кеннеди (Cecil Kennedy) запомнился своим неповторимым умением реалистично изображать цветочные натюрморты маслом. Он считается одним из самых выдающихся художников современной Великобритании.

Родился будущий живописец 4 февраля 1905-го года в семье художников. На тот момент, его родители жили в небольшом городке Лейтон, который в то время был пригородом Лондона. Именно отец и мать заложили в сыне любовь к живописи. Признание к Сесилу Кеннеди (Cecil Kennedy) пришло достаточно поздно. Его первые масштабные персональные выставки состоялись, когда художнику было уже далеко за 40 лет. Сесил является обладателем нескольких известных премий, а также, был любимчиком среди многих «сильных мира сего». Умер Сесил в возрасте 92-х лет в собственном доме.

.

Метки: искусство, АЯТ, натюрморты, Сесил Кеннеди
 
14:46 11.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Ажурная резьба по дереву

Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и скульптор по дереву. В ее руках даже коряги оживают и превращаются в ажурные создания из сказочного сада.
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ...
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 2
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 3
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 4
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 5
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 6
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 7
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 8
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 9
Ажурная резьба по дереву от волшебницы из Англии Джои Ричардсон — всемирно известный токарь и ... - 10

Метки: искусство, Резьба, АЯТ
 
05:42 08.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Интересно о музыке

С музыкой связано много интересного. Это не только удивительные по красоте произведения, разнообразие музыкальных инструментов, приемов игры, но и интересные факты о музыке. О некоторых из них вы узнаете... 1. Австрийский пианист Пауль Витгенштейн потерял правую руку в Первой Мировой войне, однако возобновил концертную карьеру и достиг исключительного мастерства, играя одной левой. Виртуозное владение пианистической техникой позволило Витгенштейну успешно исполнять сочинения, сопоставимые по сложности даже для пианиста с двумя руками.



2. Музыкальный фон повышает эффективность тренировок в спортзале, но не помогает сконцентрироваться во время работы. С другой стороны, негромкая музыка способствует творческому процессу. Громкая — вредит ему.




3. Любимые песни, прошедшие испытание временем, обычно связаны с особыми эмоциональными моментами в жизни человека. Одну и ту же песню вы можете оценить по-разному, если будете заранее знать о том, как к ней относятся другие. Если версий исполнения несколько, то первая, какую вам довелось услышать, скорее всего, будет нравиться больше остальных.

4. Слово "музыка" подарили нам древние греки. Музы в древнегреческой мифологии — дочери Зевса, богини, покровительствующие наукам и искусствам. Их девять. Правда, среди них не нашлось ни одной, которая специально занималась бы искусством звуков. Одни считают, что это муза танцев Терпсихора как бы по служебной обязанности должна была покровительствовать музыке, сопровождающей танцы. Другие считают — это было дело Евтерпы, музы лирической поэзии (стихи у древних греков распевались под звуки инструмента).




5. Слово "фортепиано" произошло от названия, данного Кристофори своему инструменту: "piano et forte", что значит "тихо и громко".




6. Бывает, что песня засела в голове и от нее никак не отвязаться. Обрадует вас это ли нет, но такое чаще случается с истинными меломанами. И знаете что? Исследования показали, что лучше смириться с этим "звоном в ушах", чем пытаться от него избавиться — так он покинет вас быстрее.

7. Понижение строя на полтона в настройке фортепиано приводит к изменению суммарного натяжения струн на 1-2 тонны. ? общее натяжение всех струн настроенного пианино составляет 7 тонн (7000 кг).

8. Один из лучших скрипачей американец Джошуа Белл 12 января 2007 года согласился принять участие в эксперименте — утром на протяжении 45 минут он играл в вестибюле станции метро под видом обычного уличного музыканта. Из тысячи прошедших мимо людей только семь заинтересовались музыкой.




9. Известная песенка "Happy Birthday to You" по сей день находится под защитой авторских прав. Её можно бесплатно петь в обычном кругу семьи или друзей, но за коммерческое использование, например в фильме или поздравительной открытке, необходимо платить отчисления. Сейчас песня приносит ежегодно 2 миллиона долларов компании-владельцу прав на неё.

10. Метеорист — это не больной метеоризмом, а своего рода музыкант, забавляющий публику мелодичным испусканием кишечных газов. Упоминания о метеористах встречаются ещё со времён античности, а современные метеористы (например, Mr. Methane) не только выступают на сцене, но и записывают альбомы.


Метки: музыка, факты, искусство, АЯТ
 
13:26 07.01.2019
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO

Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт замечательные объёмные фетровые куклы с реалистическими лицами. Рост этих кукол примерно 16 дюймов. Сверху они обтянуты тонким фетром, расписаны вручную.
Мэгги со своим мужем Тони удалось разработать собственную систему шарниров, так что куклы могут стоять, сидеть, поворачивать голову, сохранять заданные позы. У них сгибаются запястья и лодыжки. Даже пальчики на руках кукол могут сгибаться и удерживать кукольный аксессуар — сумочку или зонтик.

Работы Мэгги Иаконо экспонировались во многих галереях и музеях, в том числе в Лувре.
— Действительно счастливый человек это тот, кто по-настоящему любит то дело, которым занимается, — говорит Мэгги. Мне достаточно оказаться на пороге своей мастерской, как я буквально погружаюсь в пьянящую атмосферу творчества, захватывающего меня полностью.
Счастливая мать трёх дочерей, Мэгги Иаконо по-настоящему увлеклась созданием рукотворных кукол после рождения своего первенца.

— Я чувствовала острую необходимость в творчестве. При этом мне важно было иметь возможность рукодельничать в условиях "домохозяйствования", когда в любой момент тебя могут отвлечь или попросить "свернуть свою лавочку" на время. Именно тогда я занялась изготовлением первых миниатюрных войлочных кукол. Устроившись калачиком в своем любимом кресле, я свободно могла погрузиться в мир фантазий, имея возможность в любой момент сложить свои "пожитки" в небольшую картонную коробочку для того, чтобы снова вернуться к ним тихим вечером, когда все домашние уже спят.

Таким образом, моё увлечение никак не мешало мне полноценно заниматься своими детьми и домом. Более того, мои куклы стали любимицами моих дочерей — что может быть прекраснее? Спустя некоторое время, меня стали просто упрашивать создать что-нибудь новенькое: войлочную сестричку или братика большой кукольной семейке.
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ...
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 2
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 3
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 4
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 5
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 6
ХУДОЖНИК-КУКОЛЬНИК ИЗ США MAGGIE IACONO.Maggie Iacono -художник-кукольник из США, которая создаёт ... - 7

Метки: куклы, АЯТ, прикладное искусство, авторские работы
 
13:08 01.01.2019
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Вазы,достойные восхищения

Сегодня увидела фото очень красивых ваз, с причудливыми рисунками и необыкновенной техникой исполнения. Невольно возник вопрос, кто автор этих работ?

Оказалось, что вазы сделаны более века назад французским художником Эмилем Галле, представителем Модерна, нового в то время направления в искусстве.

Эмиль Галле родился в Нанси в 1846 году. Его отец был видным предпринимателем, производившим керамику и художественное стекло.

Э. Галле занимался рисованием и стеклоделием, а также ботаникой, минералогией и философией в училищах Веймара. Работал на заводах отца, а после его смерти возглавил семейное дело и открыл собственную мастерскую. Испытал влияние исламского, китайского и японского искусства.

Галле дебютировал на Парижской всемирной выставке в 1878 году и завоевал авторитет своим тонким умением. Пользовался техникой «лунного света», придающими стеклу сапфировый оттенок, создавал произведения из многослойного стекла.

В орнаментах Галле доминировали мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых. Были у него уникальные работы, которые он создавал собственноручно.
Умер Э. Галле в Нанси, в 1904 году.

Метки: рисунок, стекло, керамика, Вазы, АЯТ
 
03:21 31.12.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио

Со стороны все эти портреты кажутся обычными фотографиями, но вы не поверите, это все рисунки итальянского художника Эмануэле Дасканио (Emanuele Dascanio). Некоторые работы мастера занимают у него до 780 часов рабочего времени, и в этом нет ничего удивительного, достаточно только посмотреть на потрясающие и реалистичные полотна художника. Картины он рисует используя микс древесного угля и графита, при этом Эмануэле освещает детали на холсте с помощью всего лишь одного источника света, как это делали в эпоху Ренессанса.
Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Между прочим, это не просто совпадение, такую технику рисования Дасканио перенял у старинного мастера эпохи Возрождения, итальянского художника Джанлуки Короны (Gianluca Corona). К технике Короны Эмануэле добавил немного своего уникального стиля, чтобы создавать великолепные гиперреалистичные портреты, которые сочетают классику с современностью.

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)


Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)

Невероятно живые картины от Эмануэле Дасканио (16 фото)
Метки: италия, соо АЯТ(Искусство), художник Дасканио
 
09:13 23.12.2018
Хорошая Девочка опубликовала запись в сообщество Интересное для всех!

Корпоратив 2019 (mixed by Dj V)

Приглашаем вас присоединиться к нашим каналам в Telegram: Пастор Кровавый и Музончик

Метки: корпоратив
 
09:05 23.12.2018
Хорошая Девочка изменила/дополнила анкетные данные
 
21:20 21.12.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Японский театр кабуки

Кабуки – вид японского национального театра, традиционный японский театр, сочетающий в себе жанры танца, пения, драмы и музыкальные композиции.

Театр кабуки в Японии

Актерам кабуки наносится сложный грим, их облачают в яркие наряды, на которые нанесено большое количество особой символики, имеющей определенный смысл. На японском кабуки пишется так — 歌舞伎. Эти иероглифы означают «танец, песня и мастерство». Театр кабуки пользуется огромной популярностью не только среди японцев, но и по всему миру.

Театр кабуки видео

Также вы можете узнать больше в документальном фильме о японском театре

Грим театра кабуки

Традиционно в кабуки мужчины играют все роли.

Отличительной чертой японского театра является сложный разноцветный грим, нанесенный на лица актеров, носящий определенный раскрас в зависимости от того, какую роль исполняет актер. Если актер играет молодую девушку или парня, его лицо раскрашивается в белый цвет, а для того, чтобы показать другой возраст, добавляются иные цвета, например, коричневый. В качестве показателя силы пальцами наносят разноцветные полосы на лице актера. Кумадори – уникальный канон, по которому наносятся линии различной формы и цвета, усиливающие эмоциональный окрас мужского персонажа и показывающие его характер. Его главные цвета – синий, черный и красный. Красный символизирует храбрость, преданность и честность, черный – волшебство и божественность, синий – зло, ярость и потусторонние силы.

Театр кабуки фото

Фото театр кабуки

Особое искусство – играть роль женщины (оннагата). Искусство игры и грим совершенны до такой степени, что актеров оннагата невозможно отличить от настоящих женщим. Грим оннагата состоит из белой основы, уши, веки, брови и щеки окрашиваются красными, черными и зелеными цветами.

Сцена кабуки

Сцена имеет особое устройство. Деревянный помост ханамити тянется от левого края сцены через весь зрительский зал. Ханамити используется как для прихода и ухода актеров со сцены, так и для обыгрывания некоторых моментов пьесы. Также в кабуки была впервые в мире применена вращающаяся сцена. Очень важное место занимают декорации, именуемые одогу. Платформа с тремя ступеньками на сцене может быть позицией полководца, магазинчиком купца или каморкой куртизанки в зависимости от декораций, которые на ней установлены. Декорации и утварь специально делаются меньше натуральных размеров для того, чтобы повысить значимость актеров.

Сцена театра кабуки фото

Сцена

Амплуа актеров японского народного театра

— Татияку — главный герой, мудрый, мощный, ловкий, красивый. Существует несколько видов: арагото – боец, который имеет необыкновенную силу; вагато – утонченный красавчик, прекрасный любовник; дзицугото -мудрый, честный, стоический мужчина.

— Катакияку – отрицательный персонаж, враг татияку. Его типы: дзицуаку — мерзкий проходимец, злодей; кугэаку — благородный человек из знатной семьи, из-за сложившегося положения вынужденный совершать плохие поступки; ироаку – отрицательный персонаж, имеющий облик утонченного красавца.

— Докэката — смешной персонаж. Это бездельник и дурачок.

— Кояку — персонаж ребенка, который, как правило играется сыновьями актеров.

— Оннагата – женский персонаж, которого играет мужчина. Существуют различные типы оннагата. Основной — юная прекрасная девушка. Среди этих девушек есть несколько видов: мусмэката –молодая скромница, облаченная в кимоно с длинными рукавами; акахимэ — соблазнительная красотка родом из знатной семьи одетая в красное платье; кэйсэй — известная куртизанка; сэванёбо – покорная и кроткая жена купца; онна будо — воительница; акуба, или докуфу, — злобная и хитрая дама, женщина — вамп. Кроме того, присутствует амплуа женщин в возрасте: касягата — старуха и фукэояма — женщина среднего возраста.

Метки: Япония, искусство, театр, АЯТ, кабуки
 
09:31 11.12.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Особняк барона Штиглица на Английской набережной в акварелях Луиджи Премацци

Александр Любимович (Людвигович) Штиглиц был одним из самых успешных российских коммерсантов XIX века. Оценить роскошь его особняка можно по сохранившимся акварелям, написанным итальянским художником Луиджи Премацци.


Барон Штиглиц, помимо титула, от своего отца унаследовал огромное состояние торгового дома «Барон Штиглиц и К», в том числе фабрики и мануфактуры, 18 миллионов рублей и долю придворного банкира — поскольку кредиты казны и многие торговые операции государственного значения были гарантированы только одним залогом — именем Штиглицев.

В соответствии со своим высоким статусом наследник решил, что ему нужен подходящий особняк. Было решено выстроить его на Английской набережной на месте двух прежних домов. Архитектор А. И. Кракау получил неограниченную свободу в фантазии и средствах.

Особняк барона А. Л. Штиглица на Английской набережной в Санкт-Петербурге

Штиглиц поселился в своём доме на Английской набережной (ныне дом 68) сразу после окончания отделки помещений, в 1862 году. Своих детей у банкира не было и он удочерил девочку, предположительно внебрачную дочь великого князя Михаила Павловича, — Надежду Михайловну Июневу.

Спустя пять лет после окончания строительных работ, барон Штиглиц пригласил итальянского художника Луиджи Премацци, чтобы тот запечатлел все величие его дворца.

Живописец прекрасно отобразил каждую комнату в акварельных картинах. Всего получилось 17 акварелей, заключенных в кожаный альбом. На сегодняшний день рисунки Премацци хранятся в Эрмитаже.

После смерти отца в 1884 году Надежда унаследовала особняк на Английской набережной, а спустя три года продала его великому князю Павлу Александровичу. Особняк несколько лет простоял пустым, т. к. его стоимость в три миллиона рублей была далеко не каждому по карману.

Спустя три года его купила царская семья в качестве свадебного подарка князя Павла Александровича и принцессы Греческой Александры Георгиевны. С того момента это здание стали именовать Ново-Павловский дворец. Новый владелец принялся переделывать интерьеры на свой вкус, что, по мнению некоторых специалистов, разрушило их целостность.

В 1918 году Павел Александрович был расстрелян. Дворец был национализирован. В нём размещались поначалу детский дом, а потом конструкторское судостроительное бюро со штатом 1500 человек. Год от года здание ветшало.

Первая реставрация Ново-Павловского дворца планировалась еще в 1988 году. Тогда была проведена масштабная работа с архивами, но работа по восстановлению прекратилась. В 1990-х владельцем здания являлась компания «Лукойл», но и тогда за его реставрацию никто не взялся. И только несколько лет назад началось восстановление старинного архитектурного наследия города, и на конец 2017 года запланировано завершение работ.

Каким будет результат – неизвестно, а пока благодаря акварелям художника Луиджи Премацци мы можем заглянуть в особняк управляющего Государственным банком Российской империи барона Штиглица на Английской набережной в Санкт-Петербурге.


Обеденный зал, 1869 год


Библиотека, 1870 год


Голубая гостиная, 1870 год


Белая гостиная, 1870 год


Золотая гостиная, 1870 год


Гостиная, 1870 год


Главный кабинет, 1869 год

Метки: искусство, АЯТ, акварели, Луиджи Премацци
 
19:23 07.12.2018
Анастасия Бузько опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Внуки Айвазовского, ставшие художниками

Часть 1.У Ивана Айвазовского и Юлии Гревс, его первой жены, было четыре дочери. Ни одна из них не избрала живопись своей стезей. Других детей у Айвазовского нет. А ему, конечно же, хотелось кому-то передать свою фамилию (и он даже кое-что предпринял для этого, оставаясь в рамках верности жене, уже второй на тот момент), хотелось учить своего, родного живописи, передать ему тайны мастерства. Пришлось рассчитывать на внуков, и расчет себя оправдал.



На фото: Иван Айвазовский с внуками и зятьями. Слева направо: Константин Арцеулов с маленьким Костей Арцеуловым на руках, Иван Айвазовский, Михаил Латри. Сзади Александр Латри. Крайний справа — Николай Лампси, внук Айвазовского и сын его третьей дочери Александры.

Михаил Пелопидович Латри (31 октября 1875 год, Одесса — 11 февраля 1941 год, Париж)


Старшая дочь Айвазовского, Елена, вышла замуж за Пелопида Латри. У них родилось трое детей: Михаил, Александр и София.

Первым учителем Михаила Латри стал дедушка. От него мальчик и перенял любовь к морским пейзажам и тонкий художественный вкус. По настоянию деда Михаил Латри поступил в Академию художеств, в пейзажный класс к Архипу Куинджи. В 1895 году художник сам отвез внука в Петербург. Константин Богаевский вспоминал о приеме Михаила в класс к Куинджи:

— Латри, захватив всё, что привёз, пошёл в академию, в мастерскую Архипа Ивановича, и так волновался, что не в силах был показывать этюды сам.

Куинджи, окружённый учениками, сел на стул перед мольбертом, на который один из учеников начал ставить этюды Латри один за другим; сам же автор от страха и волнения отошёл подальше, стараясь не смотреть на свою работу и не спуская глаз с Куинджи. Архип Иванович рассматривал каждый этюд долго и очень внимательно. Иногда, когда показывающий хотел уже заменить этюд следующим, Архип Иванович делал рукой знак, чтобы не спешил, но всё время молчал.

Это молчание было невыносимо тягостным для «испытуемого», и он уже решил, что сейчас Куинджи попросит забрать всё и идти домой.

И вдруг Куинджи, посмотрев последний этюд, повернулся к ученикам и сказал: «Вот, господа, как надо относиться к этюдам, с такой любовью и так добросовестно работать».



Михаил Пелопидович Латри. Храм над морем

Проучившись два года, Михаил прервал свои занятия, вернее, разнообразил их поездкой в Западную Европу. В течение двух лет в Мюнхене обучался у Шимона Холлоши. Посетил Грецию, Францию, Италию и Турцию и вернулся в Ялту сложившимся художником. Впрочем, учебу он на этом не прервал, а попросился в Академии в пейзажный класс профессора Александра Киселева. Знаменитый дед составил подобающее случаю рекомендательное письмо. Получив академическое образование, Латри увлекся созданием прогрессивного «Нового общества» молодых художников-выходцев из мастерской Куинджи. Предполагалось, что это будет актуальное направление в противовес как устаревшему академизму, так и дягилевскому модернизму. Грандиозным планам не удалось осуществиться, хотя работы Латри имели успех. При поддержке Куинджи общество продержалось три года.

Подобно Ивану Айвазовскому, Михаил Латри проводил зимы в Петербурге, а чуть потеплеет — устремлялся в Крым. В начале 1900-х мать подарила ему небольшой земельный участок вблизи Феодосии, в экономии Баран-Эли, там он и обустроился. В столицу Латри уезжал лишь после того, как установит для крестьянских ребятишек елку. Как тут снова же не вспомнить Ивана Айвазовского, о котором шутили, что он крестил половину феодосийской ребятни? Своих детей у Латри не было, хотя детей он очень любил.



Михаил Пелопидович Латри. Восход луны. 1890-е

В Баран-Эли Михаил Латри построил две мастерские — для живописи и занятий керамикой. Причем керамика среди его интересов возобладала, он всерьез увлекся этим видом искусства и оказался по сути единственным художником в дореволюционном Крыму, всерьез занимавшимся художественной керамикой. В 1900-е годы Михаил Латри исполнял функции общественного директора Феодосийской картинной галереи. Впрочем, занятия живописью он тоже не оставил. В начале 1917 года по собственной инициативе передал свое имение крестьянам, отказал их просьбам остаться с ними за старшего и уехал в город, чтобы целиком посвятить себя искусству. На все занятия, которые хотелось охватить, его не хватало, нередко он не успевал доводить начатое до логического конца. К примеру, после него осталось множество недописанных картин.

В 1920 году Михаил Латри эмигрировал в Грецию, где продолжил заниматься живописью и керамикой, а спустя четыре года обосновался в Париже. Единственная прижизненная персональная выставка за границей состоялась в 1935 году в Реймсе.

Михаил Латри удачнее всего писал с натуры — и в этом же его принципиальное отличие от Айвазовского, который с натуры не писал. Дарование Михаила Латри было реалистическим, но с очевидной склонностью к поэтизации природы. Художник использовал широкие кисти, плотные мазки, густо замешивал краски. Виртуозная легкость Айвазовского к Латри по наследству не перешла, все картины ему давались тяжелым трудом, хотя он тоже предпочитал заканчивать работу в один сеанс.



Михаил Пелопидович Латри. Свежий ветер



Михаил Пелопидович Латри. Кипарисы. 1896



Михаил Пелопидович Латри. Выгрузка рыбы

Брат Михаила Латри, Александр Пелопидович Латри (19 декабря 1883 год, Одесса — 1958 год) не был художником, но мы не можем обойти его в таком материале. Ведь с его помощью Иван Айвазовский реализовал свою мечту о наследнике фамилии, а не только о наследнике-художнике. В трехлетнем возрасте маленький Саша поселился у дедушки в Феодосии. Айвазовскому удалось уговорить родителей внука, чтобы ему позволили усыновить мальчика и дать тому свою фамилию. Художник направил прошение государю: «Не имею сыновей, но Бог наградил меня дочерьми и внуками. Желая сохранить свой род, носящий фамилию Айвазовский, я усыновил своего внука, сына старшей дочери — Александра Латри, ребенка мужского пола доктора Латри, о котором я уже сделал объявление. Осмелюсь просить усыновленному внуку Александру дать мою фамилию, вместе с гербом и достоинствами дворянского рода». Разрешение было получено через месяц после смерти Ивана Айвазовского...


Алексей Васильевич (Вильгельмович) Ганзен (2 февраля 1876, Одесса — 19 октября 1937, Дубровник, Хорватия)


Алексей Ганзен — сын второй дочери Ивана Айвазовского, Марии (или Мариам), и действительного статского советника Вильгельма Ганзена. Алексей получил в Одессе юридическое образование. Но юрисдикция юрисдикцией, а живописью внук главного русского мариниста тоже весьма интересовался, а потому отправился в Мюнхен учиться у Эжи Брехта. В Германии он окончил две Академии изящных искусств, Берлинскую и Дрезденскую. Его учителями по классу марины и пейзажа были Карл Зальцман и Поль Мейергейм. Ганзен успешно участвовал в Большой берлинской выставке. Ненадолго вернувшись в Петербург, Алексей Ганзен вскоре снова отправился в Европу — на этот раз его привлекла Италия, а затем последовал Париж, мекка всех художников. Учителями в Париже для него стали Тони Робер-Флёри и Жюль Лефевр. Как и его прославленного деда, Алексея Ганзена столица мировой живописи приняла благосклонно. Его картины охотно покупали, он имел успех на выставках и вернисажах. От Ивана Айвазовского Ганзен унаследовал быстроту исполнения и легкость кисти, его муза была легка, и творческий процесс для Ганзена, как и для Айвазовского, был радостным, а не мучительным.



Алексей Васильевич Ганзен. Морской пейзаж. Бухта.

Художественный критик Яковлев писал о Ганзене: «Его вода прозрачна и зыблется, суда и лодки в ней сидят и колышатся, а не похожи на безжизненные куски дерева, вставленные в желе или в вату...». Имел основания!

От деда Алексей Ганзен перенял и стремление помогать неимущим. Айвазовский был крестным отцом половины феодосийских детишек. Алексей Ганзен, в свою очередь, состоял почетным членом трех попечительств детских приютов и на протяжении всей жизни помогал бедным и престарелым художникам.

Вернувшись в Россию в 1909 году, Ганзен, подобно Айвазовскому, занял должность художника Морского министерства России. Результатом этой деятельности стал изданный в 1916 году альбом «Российский Императорский флот». В него вошли 25 факсимильных цветных репродукций с акварелей художника.



Алексей Васильевич Ганзен. В сумерках

В советской действительности художнику Морского министерства не нашлось места. В 1920 году Ганзен вместе с женой Олимпиадой Васильевой эмигрировал в Югославию. Забегая вперед, отметим, что детей у них не было. Семья поселилась в Дубровнике. Ганзен продолжал много писать и регулярно выставлялся. География его персональных выставок широка: Загреб, Белград, Бухарест, Прага, Париж, Рим, страны Южной Америки. Корабельная тема не была забыта. Вместе с эмигрировавшим контрадмиралом Александром Бубновым Алексей Ганзен выпустил «Историю военно-морского искусства». Вернее, выпустил-то ее Бубнов, а все иллюстрации были сделаны Ганзеном. Издание вышло в трех томах на хорватском языке. Последняя прижизненная выставка художника в Белграде тоже была посвящена кораблям: по ней отслеживалась история югославского флота, начиная от первых парусников и заканчивая новейшим на тот момент крейсером «Дубровник».



Алексей Васильевич Ганзен. Домик на Далматинском побережье. 1900-е



Алексей Васильевич Ганзен. Корабль в сумерках

Метки: творчество, Айвазовский, внуки, сообщество АЯТ(искусство)
 
18:29 06.12.2018
Тамара Ширнина опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Каменные цветы Фаберже

Самыми известными произведениями Карла Фаберже являются, конечно же, знаменитые пасхальные яйца. Однако знатоки ювелирного искусства считают подлинным шедевром его цветы.

«Родословная» изысканных цветов Фаберже имеет восточные корни. Ведущий мастер фирмы Франц Бирбаум оставил письменное свидетельство: «Впервые мы обратили внимание на эту отрасль китайского искусства, когда нам принесли в починку букет хризантем... Благодаря искусному подбору тонов и прозрачности некоторых камней, работа эта производила прекрасное впечатление».

С реставрации китайского букетика начался драгоценный гербарий. Фаберже загорелся, стал придумывать собственные цветочные композиции. Ко всякому делу он подходил основательно: при московской мастерской построили теплицу — выращивали растения, служившие «моделями» для каменных букетов. Сохранился рабочий альбом Фаберже с подробными фотографиями живых цветов, в том числе ландышей, послуживших прообразом корзинки императрицы.

В 1896 году Александра Федоровна получила в подарок от купечества Нижнего Новгорода букетик ландышей работы Фаберже — копию старинного китайского дворцового украшения. Императрицу привели в восторг жемчужно-бриллиантовые ландыши с нефритовыми листьями, в золотой корзинке. С тех пор этот букетик обычно стоял у нее на столе.

Дизайнерами дома Фаберже не раз повторялись шиповник, ландыши, рябина, малина, одуванчики. Вазочки почти всегда делали из горного хрусталя, прозрачность которого создавала иллюзию сосуда, наполненного водой. Стебли, чаще золотые, со специальной гравировкой. Листья — нефритовые, изящно вырезанные или эмалевые. Цветы обычно не клеймили — слишком хрупкие. Не было клейма и на платине Фаберже.

Знаменитый «Одуванчик» сегодня хранится в Оружейной палате Кремля. Стебелек из золота, листья из нефрита. Но самое поразительное, на концах серебряных тычинок натуральный одуванчиковый пух. До сих пор ювелиры не могут понять, как удалось Фаберже закрепить нежнейший пушок, который мнется от любого прикосновения. Но и этого мастеру показалось мало, сверху разбросаны мелкие бриллианты огранки «роза», которые при правильном освещении сверкают подобно утренней росе. Ученые долго сомневались в естественности пушинок. В музей пригласили эксперта из Ботанического сада МГУ, который подтвердил: да, это настоящий пух и назвал дату сбора. Что абсолютно идентифицировало раритет с годом производства.

«Анютины глазки» — единственный цветок в мире Фаберже, оборудованный механизмом с портретными миниатюрами. Цветок был сделан в 1904 году и подарен Николаем II императрице Александре Федоровне на десятилетие их брака. При нажатии на кнопку лепестки цветка открываются и становятся видны миниатюрные портреты дочерей и сына императорской четы.





Метки: цветы, ювелирное искусство, Фаберже, АЯТ(искусство)
 
15:34 06.12.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Любопытные факты о цирке

Кто из нас не бывал на цирковом представлении? Хотя бы единожды, но каждый из нас побывал там, в прочем, почему мы говорим о детском возрасте? Как показывает жизненный опыт, многие из нас посещают такие мероприятия пребывая в более взрослом возрасте. Удивительная цирковая атмосфера по необъяснимым причинам притягивает нового зрителя все больше и больше.

Самые любопытные факты о цирке


Цирковое шоу — феерическое, сказочное, волшебное, красивое и восхитительное мероприятие, способное заставить человека пережить широкий спектр самых различных эмоций, начиная от удивления и заканчивая легкой ноткой грусти и драматизма. Цирк также как и любое другое искусство поделен на виды— самым впечатляющим на мой взгляд является канадский Цирк дю Солей, который регулярно радует зрителей новыми шоу, так Цирк дю Солей Торук (Toruk) является новым необычным феерическим шоу, которым можно насладиться уже сегодня.

Интересные факты, связанные с цирковым направлением:

Классический размер цирковой арены — 13 м


/ Такие параметры были приняты не на пустом месте. В прошлом, живущий в Англии некто Филип Астли практическим методом установил, что данный диаметр является самым оптимальным для лошадей, идущих по кругу на арене. Именно при таком параметре спина каждого животного фиксируется по наиболее удобным для них углом наклона. /

Вы никогда не задавались вопросом, почему у всех поголовно клоунов нос всегда представлен в красном цвете?


На этот вопрос мало кто знает ответ, ведь для того, чтобы его найти, и узнать истинные мотивы необходимо окунутся в прошлое. Так, истоки оттенка клоунского носа уходят корнями в век изобретения клоунады. Согласно историческим данным, обычные люди, нанятые небезызвестный нам Филип Астли, зачастую становились посмешищем, поскольку совершенно по дилетантски выполняли те трюки, о которых он их просил, а если добавить сюда и тот факт, что львиная доля добровольцев пребывали в нетрезвом состоянии, то становится понятно происхождение красного носа. Алкоголь в крови человека воздействует своеобразно, когда тепло расходится по всему телу, прилив крови воздействует на внутренние капилляры, таким образом нос приобретает красноватый оттенок. С того времени так и повелось, что красный нос ассоциируется с человеком, который выглядит смешно.

Цирк переполнен различными суевериями, наиболее забавное — связано с семечками.


Так, клоуны совершенно не едят семечки (во всяком случае на своем рабочем месте точно). Впрочем, не только клоуны, весь цирковой состав свято чтит запрет на поедание семечек. Более того, зрителям также настоятельно рекомендуется не приносить на представление с собой семечки. В кругу циркачей, почему-то полагают, что таким образом можно запросто "повыщелкивать" всех пришедших зрителей, соответственно снизятся продажи, а это уже чревато низкой зарплатой.

Дата 13 для циркового состава является более чем удачной.



В цирке имеется такая должность, как шпрехшталмейстера. Среднестатистическому человеку непросто выговорить его, однако такая должность считается одной из самых важных в их среде. Говоря простым языком, шпрехшталмейстер — это такой человек, который несет ответственность за ход представления.



Отдельным пунктом хотелось бы отметить дрессировку животных. Увы, но иногда она бывает достаточно жестокой.


Многие согласятся с тем, что дрессировка далеко не самый простой и легкий процесс. Суть данного мероприятия заключается в том, чтобы вынудить любое животное выполнять какой-либо трюк. Впрочем, есть и хорошая новость для тех, кто не приемлет совершенно никакой жестокости по отношению к животным — организации по защите животных всегда начеку и яро бдят за всеми действиями дрессировщиков. Если такому представителю только покажется, что имело место жестокое обращение, исковое заявление мгновенно летит в судебный орган.

/ В прошлом, был даже случай, когда одна из компаний выплатила денежную компенсацию в качестве штрафных санкций (270 тыс. дол). /

Откуда пошло наименование"цирк". На этот счет имеется 2 версии:
— по одной из них, название произошло от лат. circus, что в переводе значит "круглый"

— по другой же версии считается, что "цирк" имеет отношение к Цирцее, известной ведьме, превратившей спутников Одиссея в хрюш.

Клоунофобия — разновидность современного страха.


Сложно сказать откуда у человека возникает подобного рода боязнь, ведь более веселого и добродушного персонажа, чем клоун едва ли можно отыскать. Кто-то объясняет появление фобии заслугой нынешней кино индустрии, выпускающей фильмы ужасов с главными героями — зловещими клоунами. С психологической точки зрения такую боязнь объясняют внутренним неприятием образов, схожих с человеком.

Метки: факты, искусство, цирк, АЯТ
 
13:24 04.12.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Как устроены современные художественные музеи?

Музеи — это все еще места, где собирают искусство?

Не совсем. Это раньше главных задач у музея было только две: собирать искусство и сохранять его для будущих поколений. Сегодня же большую роль стала играть презентация искусства публике. Если сто лет назад люди просто приходили в музей смотреть на диковинки и необычные вещицы, то сегодня они приходят, чтобы узнать истории, скрытые за произведениями искусства. Музеи превращаются в мультимедийные центры и просветительские клубы.

.

Зачем они меняются?

Потому что меняется время и запросы публики. Если музеи будут оставаться прежними, то они потеряют аудиторию. Раньше экспозиции музея могли оставаться неизменными несколько лет, а теперь выставки сменяются чуть ли не каждую неделю. Обычно самое интересное и происходит на временных выставках, которые придумывают кураторы. Например, они могут выстроить нарратив вокруг определенной темы, сочетая разные виды искусств: живопись, фото, видео, перформансы и инсталляции из чего угодно (начиная от мусора, заканчивая настоящими акулами). Причем регулярно появляются новые направления — ведь суть современного искусства в постоянном поиске новых форм.

Кураторы выставки «Современный Катар: искусство и фотография»в Петербурге выбрали более 100 картин, скульптур и инсталляций и 350 фотографий из коллекций Музеев Катара — современных и исторических. Они исследовали взгляды художников на 20 лет истории Ближнего Востока, а еще — кросс-культурные связи России и восточных стран с остальным миром.
.

Что за новые направления такие?

Все их едва ли можно перечислить. Например, бывает оп-арт (здесь художники работают с оптическими иллюзиями) и сайнс-арт, где объектами современного искусства становятся научные исследования. А еще в последние годы активно развивается медиаискусство — такое искусство создается с помощью компьютерной графики, нейросетей, робототехники и даже программных ботов. На интерактивных выставках для демонстрации произведений используются очки виртуальной реальности, проекторы, датчики и другие технологии. Например, в прошлом году канадский режиссер Робер Лепаж привозил в Москву инсталляцию «Ночь в библиотеке» — десять 360-градусных видео позволяли зрителям совершить виртуальную прогулку по самым красивым библиотекам мира. А еще недавно аукцион Christieʼs впервые выставил картину, созданную искусственным интеллектом.

В выставочном пространстве «Аль Ривак» в Дохе была интерактивная экспозиция акварелей польского купца и путешественника Бартоломея Шахмана и «оживших» миниатюр по мотивам его зарисовок. Этот путевой альбом показывает историю отношений между Европой и Османской империей в XVI—XVII веках. Кураторы выставки хотели донести идею о том, что путешествия могут стать ключом к взаимопониманию между религиями, нациями и культурами.
.

Вы упоминаете кураторов. А они тоже недавно появились?

Нет, эта профессия существует давно. Считается, что первым куратором был Харальд Зееман — в конце 1960-х он превратилбернский музей в огромную мастерскую и перенес внимание зрителей с произведений искусства на процесс их создания. Сегодня роль куратора возросла, а некоторые кураторы (например, Виктор Мизиано или Ханс-Ульрих Обрист) не менее известны, чем популярные современные художники. Кураторы теперь не просто придумывают интересную тему выставки и подбирают работы, но и проводят серьезные исследования, становятся антропологами и социологами. Еще вместо кураторов в музеях появляются конвинеры. Это люди, которые собирают разнообразный состав участников выставки. В итоге в команду могут попасть художники, дизайнеры, философы, кураторы, публичные интеллектуалы — все вместе они подготовят экспозицию в музее, организуют пространство для обсуждения и взаимодействия со зрителем, проведут презентации и публичные дискуссии. А еще в музее есть медиаторы.

.

Кто такие медиаторы?

Медиаторы — это посредники между выставочным пространством и посетителями, которые задают наводящие вопросы и помогают сформировать личное впечатление о произведениях. Медиаторы приходят на смену традиционным экскурсоводам, которые читают стандартные заученные объяснения и факты. Но экскурсии тоже никуда не делись, они тоже стали нестандартными — бывают в виде квестов, интеллектуальных викторин или мастер-классов.

В некоторых музеях об искусстве можно расспросить не только гидов или медиаторов, но и самих художников. В арт-резиденцииМузеев Катара — в здании бывшей пожарной станции в Дохе — расположены 20 студий, где работают художники со всего мира по несколько месяцев в году. Они сами рассказывают посетителям выставок о своих произведениях.
.

Окей, но по сути современные музеи — это все те же стены, увешанные картинами?

Не всегда. Конечно, современные музеи имеют четкую структуру — это залы и коридоры, но от выставки к выставке в них что-то понемногу меняется. Организаторы выставки по-новому обустраивают музейное пространство, чтобы оно согласовывалось с идеей и историей вокруг выставки. Например, узкий извилистый коридор, выстроенный посредине зала, может создавать ощущение того, что вы находитесь в советской коммуналке. Некоторые произведения требуют открытого пространства, поэтому их выставляют за пределами музейных стен. Это называется паблик-артом — искусство представляют прямо на улицах, площадях и вокзалах. И вообще в современные музеи приходят не всегда за искусством.

Музеи Катара тоже развивают направление паблик-арта, и, гуляя по Дохе, можно познакомиться с работами Дэмиена Херста, Ричарда Серры и Луиз Буржуа.
.

Если в музей приходят не за искусством, то тогда зачем?

Чтобы приятно провести время. Раньше визит в музей означал, что вы целый день будете бродить по залам, без воды, еды и места, где можно присесть. Современные музеи стали ближе к людям — поход туда можно сравнить с посещением кино или театра. У многих музеев есть свои библиотеки и книжные магазины, кафе и кинозалы. Также в последнее время музеи стали заниматься просветительской деятельностью — там проводят конференции, лекции и открытые столы. А еще иногда здания музеев просто интересно разглядывать — они сами по себе арт-объект.

.

Это как?

К музейной архитектуре всегда было особенное отношение (она наследует архитектуре дворцов и храмов), а многие художественные музеи построены известными архитекторами. Например, 20 лет назад фурор произвело здание Музея Гуггенхайма в Бильбао — эффектную постройку в стиле деконструктивизма придумал известный архитектор Фрэнк Гери. Сегодня по его проекту строят арт-центр Luma Arles — не менее впечатляющее асимметричное металлическое здание. А еще архитекторы проектируют арт-пространства, которые могут буквально менять форму и в разное время становиться выставочными или концертными площадками, театральными залами и местом проведения вечеринок.

Музей исламского искусства в Катаре построил Йео Мин Пей, создатель стеклянной пирамиды Лувра. В следующем году в Катаре откроется Национальный музей. Здание для него спроектировал Жан Нувель, построивший Лувр в Абу-Даби. Французский архитектор вдохновлялся образом «розы пустыни», — его проект состоит из пересекающихся изогнутых дисков.
.

А в интернете на все это можно посмотреть?

У большинства музеев есть сайты, также появляется все больше мобильных приложений, интерактивных гидов, YouTube-каналов и виртуальных туров по музеям. Самый крупный проект, объединяющий сотни экспозиций, — это Google Arts & Culture.

Метки: искусство, музеи, АЯТ
 
20:07 02.12.2018
Инна Ващенко опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

О культуре Узбекистана

Узбекистан – древний край, имеющий богатую и разнообразную историю. И так же богата культура Узбекистана, формировавшаяся на протяжении тысячелетий. Узбекская культура сродни мозаике, которая сложилась под влиянием самых разнообразных правящих там династий и народов, населяющих этот многонациональный край.
Интересное о культуре Узбекистана


Самое большое влияние на культуру этой центральноазиатской страны оказали арабы, китайцы и русские. Древние иранцы и тюркские кочевники также внесли огромный вклад в формирование узбекской культуры. Древние традиции всех этих народов нашли свое отражение в богатой и оригинальной узбекской культуре. Эти традиции, естественным образом ставшие основой культуры этой территории, отражены в литературе, музыке, танцах, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве, в богатейшем языке, оригинальной кухне и прекрасной национальной одежде.


В Республике, особенно в селе, ценят и оберегают культурные традиции предков. Огромное влияние на культурные традиции, и вообще на формирование узбекской культуры как таковой оказал Великий Шелковый путь. Первоначально являясь сугубо торговым проектом, в результате он стал путем распространения и смешения различных культур тех территорий, по которым проходил. А ведь эти территории были поистине огромны: начинаясь в Китае, Великий Шелковый путь с одной стороны проходил через Ферганскую долину и территорию нынешнего Казахстана, с другой – до Средиземноморья.


Великий Шелковый путь, выполняя свою основную функцию – налаживание торговых отношений, распространял также и новые технологии, идеи, религии. Именно этим путем пришел и распространился затем по всей территории Средне Азии буддизм, о чем свидетельствуют многочисленные культурные памятники: храм Будды в Ферганской долине, Фаяз -Тепа в окрестностях Города Термез, что в Республике и т.п. Вместе с торговыми караванами в здесь были завезены тайные технологии производства бумаги, чеканки железных изделий.
Мелодия Узбекистана берет начало в древности. Народная музыка отличается огромным разнообразием жанров.

Макомы – необычный жанр с протяжно-трогательным пением известных сур – являются классикой узбекской музыкальной культуры. Богатейшие музыкальные традиции подтверждаются и огромным разнообразием музыкальных инструментов этого Восточного края.



Танец Республики сам по себе уже своеобразный памятник культурного наследия Востока. Он предельно выразителен и олицетворяет собой всю красоту, грацию, силу и нежность народа. Главные отличия этого танца от других восточных танцев в том, что узбекская народная хореография уделяет большое значение движениям рук, очень большую роль играет мимика танцующих.


Изобразительное искусство Узбекистана имеет многовековую историю. Еще в 14-15 вв при правлении Тимуридов на местенынешнего Узбекистана пережило настоящий расцвет художественное искусство. В музеях Самарканда хранятся фрагменты прекрасных пейзажных росписей. Дворцы Амира Темура украшались изумительными живописными панно. В 16-17 вв развивалось мастерство искусных каллиграфов. В Бухаре и Самарканде процветала школа миниатюрной живописи с множеством стилей, жанров и направлений.


Как раз в 17 веке искусство миниатюры на Востоке было наиболее востребовано. Правители, члены их многочисленных семей, богатые приближенные считали делом чести иметь прекрасные образчики миниатюрной живописи. О талантах и об особом художественном чутье узбекского народа говорит и развитие декоративно-прикладного искусства. Веками здесь развивались художественные ремесла со своими исторически сложившимися территориальными центрами. Так, лучшие тюбетейки и кинжалы можно увидеть в Чусте, производством лазурной керамики славится Риштан, а в Бухаре – самое изысканное золотое шитье.

Метки: Узбекистан, АЯТ(искусство)
 
19:42 30.11.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Лисет Алькальд,современная мексиканская художница

(Lisete Alcalde) Лисет Алькальд, современная мексиканская художница, родилась в городе Чихуахуа, Мексика, 11 ноября 1981 года, второй ребенок из четырех детей. От своих родителей (отец по профессии иридодиагностик и мать эмоциональный терапевт) Лисет получила хорошее духовное развитие. В возрасте 15 лет художественные таланты Лисет начали расцветать, как только она поняла, что смысл ее жизни — это живопись. К тому времени, как Лисет исполнилось 19 лет, она отправилась в путешествие и в течение нескольких месяцев этой поездки искала главную тему своего творчества. Сейчас ее стиль — это постижение жизни, мать-земля — источник вдохновения и любви всего живого, именно это художница хочет донести до мира своими картинами. В настоящее время Лисет Алькальд живет в Бруклине, Нью-Йорк, где знакомит людей со своими картинами и фресками.
.
Метки: Мексика, соо АЯТ(Искусство), современная художница
 
00:34 30.11.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картину Ренуара профессионально украли

.
Пьер Огюст Ренуар. «Залив, море, зеленые скалы»

В Австрии объявили в розыск трех человек, подозреваемых в краже картины французского импрессиониста Пьера Огюста Ренуара. Об этом сообщает Bloomberg.

Пейзаж «Залив, море, зеленые скалы» был украден 26 ноября из помещения аукционного дома Dorotheum в Вене. Как установлено с помощью записей с камер, мужчина вместе с двумя сообщниками зашли на второй этаж, где было выставлено полотно, затем вытащили его из рамы. Отмечается, что, «очевидно, профессиональное» трио разделилось и покинуло здание разными путями. При этом у двоих мужчин были с собой большие сумки для покупок.

Аукционный дом подтвердил кражу. Картину планировали выставить на торги 28 ноября. Ожидалось, что ее получится продать за сумму от 120 тысяч до 160 тысяч евро (135-180 тысяч долларов). «Залив, море, зеленые скалы» ранее продавали на аукционе Sotheby's в 1996 году за 56 538 долларов.

«Ужасно, что ее украли, однако я не думаю, что это будет замечено сообществом коллекционеров», отметил арт-дилер из Нью-Йорка Дэвид Норман. Он также отметил, что многие небольшие работы Ренуара вырезались из более крупных полотен.

Bloomberg отмечает, что торговля предметами искусства становится все более прибыльным делом для организованных преступных группировок. По информации Интерпола, продажа картин на черном рынке так же выгодна, как наркотиков и оружия. В базе данных агентства на начало марта насчитывалось 50 тысяч украденных полотен.

Метки: искусство, воровство, Ренуар, сообщество АЯТ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Олексій Альошин
Войти